Дизайн одежды

Модельеры играют ключевую роль в формировании индивидуального стиля бренда одежды — они принимают решения относительно формы, цвета, материала, а также многих других характеристик изделий. При создании своих работ они наделяют вещи не только функциональностью, но и эстетической привлекательностью, учитывая как особенности целевой аудитории, так и ситуации, в которых изделия будут использоваться. При создании своих работ дизайнеры одежды должны прогнозировать изменения в предпочтениях потребителей и при этом учитывать сроки выхода готовой коллекции.

В процессе своей работы модельеры используют широкий спектр материалов, цветовых решений, декоративных элементов, паттернов и стилей для создания разнообразных моделей одежды.

Хотя в повседневной жизни люди обычно носят одежду в пределах ограниченного набора традиционных стилей, для особых случаев, таких как официальные или торжественные мероприятия, они могут выбрать наряды, отвечающие строгому дресс-коду.

В индустрии моды существуют различные подходы к созданию одежды. Некоторые модели создаются с учётом индивидуальных особенностей заказчика, как, например, в сфере высокой моды или при индивидуальном пошиве. Однако в настоящее время большая часть одежды ориентирована на массовый рынок, особенно это касается повседневных моделей, которые также известны как «Прет-а-порте» или «быстрая мода»^[2].

В сфере моды существует множество возможностей для самореализации дизайнеров. Некоторые дизайнеры работают в домах моды в качестве штатных сотрудников. Они могут работать как самостоятельно, так и в составе команды. Другие дизайнеры предпочитают работать на себя, занимаясь фрилансом. Они продают свои работы модным домам, магазинам или производителям одежды. Некоторые из них создают собственные бренды, что позволяет им полностью контролировать своё творческое развитие. Некоторые дизайнеры работают на индивидуальных клиентов, разрабатывая дизайн по их заказу. Они работают вне штата, что даёт им возможность самостоятельно устанавливать правила и сроки работы.

Дизайнеры высокого уровня находят свою нишу в специализированных магазинах или модных универмагах. Они создают уникальную одежду, которая соответствует актуальным модным тенденциям. Однако большинство дизайнеров работают в индустрии моды и создают коллекции мужской, женской и детской одежды для массового потребителя. Крупные дизайнерские бренды, такие как Abercrombie & Fitch, разрабатываются командой талантливых дизайнеров под руководством опытного креативного директора.

Некоторые известные модельеры: Зина Заки, Беатрис Канедо Патиньо, Джин Лондон, Альфред Сунг, Пега Анвариан, Аделин Андре, Курт Элсхот, Дороти Грант, Иван Тирта, Дженни Пэкхем, Моника Мосс, Фрида Джаннини, Стефи Тальман, Джо Аллен Хонг, Алешандри Эршкович, Николь Фархи, Жак Гарриг-Лефевр, Моника-Ирис фон Арним, Стюарт Виверс, Бора Аксу, Джен Као, Ширин Гильд, Стюарт Стокдейл, Оми Гурунг, Оливье Стрелли, Елена Бенарроч, Фатима Лопеш, Анне Хелене Гьельстад, Уильям Джей «Билл» Кайзерман, Розмари Брэнтли, Уоле Адейеми, Хосе «Пито» Рейес Морено-младший, Рон Финли, Жорж Шакра, Лин Девон, Биби Рассел, Ким Мин Джу, Апу Ян, Альфонсо Роулз, Махлет Афеворк, Джен Биман, Ванесса Нсона, Мими Планж, Элиза Паломино, Франко Лакоста, Седрик Жакмен, Стэн Герман, Алекс Штенцель, Умберто Леон, Баркха Шарма, Гудрун Шёдён, Тамара Ральф, Дебора Марквит, Маргарет Джозефс, Сид Нейгум, Тэмми Бове, Мэттью М. Уильямс, Барбарос Шансал, Эдвард Манн, Карл Дэвис, Бернхард Вилльхельм, Энтони Рубио, Алекс Карлтон, Ричард Робинсон, Мона Ли, Николь Мерседес Леблан.

Вячеслав Зайцев по праву считается отцом-основателем российской высокой моды. Именно он ввел в советский обиход понятия «высокая мода» и «дизайн одежды», создав первую в стране профессиональную дизайнерскую школу. Его карьера началась с росписи тканей, а вершиной стало создание костюмов для участников Московской Олимпиады 1980 года^[3].

Зайцев стал первым советским модельером, который получил мировое признание и право участвовать в Неделях высокой моды в Париже^[4]. Он сумел сохранить статус «придворного кутюрье» для советской, а затем и российской элиты, оставаясь востребованным на протяжении десятилетий.

Утонченный крой, четкая линия плеч и приталенный силуэт — отличительные черты его стиля. Зайцев виртуозно сочетал современные тенденции с исконно русскими мотивами, используя национальный орнамент, вышивку и яркие, чистые цвета^[3]. Его работы — это всегда глубокое погружение в русскую эстетику, переосмысленную через призму высокого искусства^[5].

Зайцев заложил фундамент для всей современной российской фэшн-индустрии, основав Московский дом моды и школу-студию для модельеров и моделей . Он доказал, что российский дизайн может быть конкурентоспособным и узнаваемым на мировом уровне^[4].

Валентин Юдашкин — первый российский дизайнер, официально принятый в элитный Парижский синдикат высокой моды в 1996 году в качестве члена-корреспондента^[3]. Его имя стало синонимом беспрецедентной роскоши и театральности в русской моде^[4].

Успех к Юдашкину пришел после показа в Париже в 1991 году его культовой коллекции «Фаберже», вдохновленной одноимёнными ювелирными шедеврами^[4]. Это был ошеломляющий дебют, который познакомил мировую публику с блеском и художественным потенциалом русской культуры. Он также сумел наладить прочные связи с российской политической и медийной элитой, став своего рода «придворным кутюрье»^[5].

Коллекции Юдашкина — это всегда богатство и изобилие. Его платья известны сложнейшей вышивкой, использованием стразов, драгоценных камней и дорогих тканей. Его творения сравнивают с музейными экспонатами^[3]. При этом его наследие включает не только вечерние платья, но и линии прет-а-портер, и даже новую милицейскую форму^[3].

Юдашкин вывел российскую моду на качественно новый уровень, соответствуя самым строгим стандартам парижской высокой моды. Его работы хранятся в музеях по всему миру, а его успех открыл дорогу в мировые столицы моды для следующего поколения российских дизайнеров.

Ульяна Сергеенко создала один из самых узнаваемых российских брендов в мире, который ассоциируется с романтической, сказочной и женственной эстетикой^[3]. Её одежду носят такие мировые знаменитости, как Леди Гага и Белла Хадид^[6].

В 2021 году бренд Ulyana Sergeenko получил статус члена-корреспондента Федерации высокой моды в Париже, войдя в один ряд с такими гигантами, как Versace и Valentino^[4]. Её успех основан на тонком и ностальгическом воспевании «русского духа», который оказывается созвучен глобальным трендам^[5].

Силуэты Сергеенко — это обращение к моде 1950-х годов и советским журналам мод: пышные юбки, осиные талии, воздушные блузки, вуали, шляпки и муфты^[3]. В её коллекциях активно используются техники ручной вышивки и уникальные материалы, созданные в российских мастерских, такие как кружево и финифть^[4]. Дизайнер черпает вдохновение в русских сказках, создавая поистине волшебные образы.

Сергеенко удалось вывести ностальгический «русский стиль» на мировой уровень, сделав его желанным и актуальным для международной публики. Она доказала, что мода может быть историей, рассказанной через ткань и крой.

Гоша Рубчинский совершил революцию, выведя на мировые подиумы эстетику постсоветского пространства и уличной культуры 1990-х . Его имя стало культовым в мире streetwear^[5].

Его первая коллекция «Империя зла» (2008) с вызывающими надписями и вышитыми орлами стала сенсацией и положила начало новому направлению в моде^[4]. Рубчинский сотрудничал с такими модными гигантами, как Comme des Garçons, Burberry и Vetements, а его вещи носили Канье Уэст, Джастин Бибер и семья Кардашьян^[5][6].

Рубчинский работает на стыке высокой моды и уличного стиля. Его дизайн — это часто оверсайз-силуэты, спортивные костюмы, футболки с кириллическими надписями («Рассвет»), графикой, отсылающей к советской и российской символике^[4]. Он виртуозно превращает повседневные, даже «бросовые» элементы провинциальной жизни в модные объекты^[5].

Рубчинский кардинально изменил восприятие России в мировой моде. Вместо образа «богатой и роскошной» он показал образ «прохладной и уличной». Он открыл Западу глаза на актуальную, современную Россию и вдохновил целое поколение дизайнеров на исследование своей культурной идентичности.

Алёна Ахмадуллина известна своими сказочно-мифологическими коллекциями, которые легко узнаются благодаря сложным принтам, вдохновленным русским фольклором и языческими мотивами^[4][5].

Ахмадуллина — постоянный участник Недель моды в Париже и Москве. Её коллекции регулярно цитируются ведущими модными изданиями^[5]. Её бренд успешно представлен за рубежом, в частности, в лондонском Harrods, где российские дизайнеры люксового сегмента составляют более 15 % закупок^[6].

Дизайнер создает одежду-сказку. Её модели — это всегда история, рассказанная через принты, фактуры и силуэты. Она мастерски сочетает мотивы русской культуры с современным кроем, создавая волшебные, но подходящие для ношения вещи^[4]. Бренд развивает две линии: основную Akhmadullina и более доступную Akhmadullina Dreams.

Ахмадуллина продолжает линию «сказочной» России, начатую Сергеенко, но делает это через призму фольклора и мифологии. Её работы доказывают, что интерес к русской культурной идентичности в мире остается стабильно высоким.

Дизайн одежды представляет собой искусство, в котором гармонично сочетаются такие элементы, как цвет, текстура, объём, линии, рисунок, силуэт, форма, пропорции, баланс, акцент, ритм и гармония. Результатом работы, совмещающей в себе все эти элементы, является уникальный стиль, который привлекает внимание и оставляет неизгладимое впечатление^[7].

Модельеры используют различные подходы к своей работе. Некоторые начинают с идеи, которую затем переносят на бумагу или в электронный форма, а другие сразу приступают к работе с тканью, создавая образцы на манекене. Каждый дизайнер имеет свой уникальный подход, и наблюдение за их работой может быть очень увлекательным.

Первым этапом создания одежды является разработка выкройки,

которая служит основой для будущего изделия. Выкройку можно использовать готовую или создать свою собственную. Существует три основных метода создания:

1. Использование вытачки в виде «дротиков» (один из видов защипов, которые используются в конструкции одежды) позволяют изменить положение деталей одежды без изменения посадки
2. Создание разметки контуров, которая позволяет адаптировать одежду к индивидуальным особенностям фигуры
3. добавление объёма^[8]:

В процессе работы дизайнеры могут вносить изменения в объём, длину или ширину изделия, которые могут быть локальными, неравномерными или охватывать весь дизайн. Для реализации своих идей они используют различные инструменты и приложения, которые помогают создать целостный и гармоничный результат. После того как дизайнер им удовлетворён, он представляет свою работу профессиональному разработчику выкроек, который создаёт готовую версию дизайна на бумаге или в специальной программе. Затем создаётся образец одежды, который примеряется на модель.

В области дизайна одежды на протяжении многих лет активно применяются передовые технологии. Одним из ярких примеров является коллекция «Crystallization», созданная талантливым голландским дизайнером Ирис ван Херпен. В процессе создания этой коллекции были использованы инновационные методы 3D-печати^[9].

Программное обеспечение стало незаменимым инструментом в арсенале современных дизайнеров. Оно позволяет создавать прототипы одежды, используя возможности искусственного интеллекта и виртуальной реальности. Благодаря этому дизайнеры могут проводить тщательный отбор образцов и налаживать сотрудничество с поставщиками ещё до начала производства^[10].

Считается, что современный западный дизайн одежды берёт своё начало в XIX веке. Основателем этого направления является Чарльз Фредерик Уорт, который стал первым дизайнером, создавшим одежду под собственным брендом. До того как Уорт основал свой модный дом в Париже, созданием и пошивом одежды занимались в основном портнихи, работавшие без указания авторства. В то время высокая мода формировалась под влиянием тенденций, характерных для королевских дворов. Успех Уорта был настолько велик, что он мог диктовать своим клиенткам, какую одежду им носить. Для описания его деятельности был впервые введён термин «кутюрье».

Хотя исследователи изучают все предметы одежды, созданные в любой исторический период, только одежда, появившаяся после 1858 года, считается настоящим дизайном одежды.

В прошлом многие модные дома начали привлекать художников для разработки эскизов и рисунков одежды. Дизайнеры представляли свои работы клиентам для одобрения, что позволяло им экономить время и ресурсы. Если дизайн одежды получал одобрение клиента, заказ выполнялся непосредственно в модном доме. Такая стратегия сотрудничества между дизайнером и заказчиком давала возможность дизайнерам создавать эскизы своих работ до момента изготовления готовых моделей^[11].

До 1950-х годов индустрия моды функционировала преимущественно на основе индивидуального пошива одежды, где каждый предмет одежды создавался с учётом уникальных потребностей и предпочтений конкретного клиента^[12]. При таком подходе к созданию одежды на заказ использовались исключительно высококачественные материалы, а внимание к деталям было скрупулёзным^[13]. Это позволяло обеспечить не только эстетическую привлекательность, но и идеальную посадку изделия. Высокая стоимость производства одежды на заказ приводила к тому, что модные дома получали ограниченную прибыль от своих коллекций. Тем не менее, поддержание репутации и узнаваемости бренда оставалось приоритетной задачей^[14].

Одежда прет-а-порте представляет собой промежуточный сегмент между высокой модой и одеждой масс-маркета. Она не предназначена для индивидуального пошива, однако при её создании особое внимание уделяется выбору тканей и крою.

Для обеспечения эксклюзивности такая одежда производится в ограниченных количествах, что делает её достаточно дорогостоящей. Модные дома обычно представляют свои коллекции готовой одежды на Неделях моды, которые проводятся в разных городах дважды в год. Основными сезонами Недели моды являются весна-лето, осень-зима, а также специальные коллекции для курортного, пляжного и свадебного сезонов.

Одежда «Нalf-way» представляет собой альтернативу готовым, сделанным на заказ или прет-а-порте моделям — это намеренно незавершённые изделия, которые предлагают возможность для совместного творчества между главным дизайнером и покупателем^[15]. В отличие от готовых моделей, где процесс создания одежды ограничивается лишь пошивом, в концепции «Half-way» потребитель может активно участвовать в формировании и разработке своего образа. Личное участие в процессе создаёт для пользователя значимый нарратив, который устанавливает связь между человеком и изделием, повышая эмоциональную ценность конечного продукта. Отто фон Буш -адъюнкт-профессор, специалист по интегрированному дизайну, работающий в Школе дизайна Парсонс (Нью-Йорк)^[16] — также исследует идею создания совместного дизайна одежды и моды «Half-way» в своей диссертации «Fashion Design, Hacktivism and Participatory Design of Clothing»^[17].

В настоящее время индустрия моды ориентируется на массового потребителя. Масс-маркет предлагает широкий ассортимент готовой одежды, следуя модным тенденциям, созданным известными брендами^[18].

Брендовые компании часто выжидают некоторое время, чтобы убедиться в популярности определённого стиля, прежде чем создавать свои версии оригинального образа^[19]. Стремясь сократить расходы и ускорить производство, они используют более доступные ткани и простые технологии, которые легко поддаются машинной обработке. Это позволяет сделать конечный продукт более доступным для широкой аудитории^[20].

Существует особый тип дизайна, который называется «китч». Это слово происходит от немецкого «kitschig», что означает «безвкусный» или «неэстетичный». Китч также может относиться к ношению или демонстрации вещей, которые уже вышли из моды^[21].

В мае 2023 года средняя годовая заработная плата штатных дизайнеров одежды составила 79 290 долларов США^[22], что эквивалентно примерно 38,12 доллара в час. При этом 50 % дизайнеров получали в среднем 76 700 долларов, а 10 % самых высокооплачиваемых — 160 850 долларов. 10 % дизайнеров с наименьшим заработком получали 37 090 долларов.

В 2016 году в Соединённых Штатах насчитывалось 23 800 модельеров. Нью-Йорк является штатом с наибольшей занятостью модельеров — здесь работают 7 930 человек. Этот город считается центром для модельеров благодаря большому количеству дизайнеров и брендов класса люкс^[22].

Наибольшее количество занятых в отрасли приходится на оптовых торговцев одеждой, штучными товарами и предметами интерьера — 5,4 %. В среднем на этой должности работают 7 820 человек. Наименьшая занятость отмечается на швейных фабриках — всего 46 % от общего числа занятых в отрасли, что составляет в среднем 30 человек на одну специальность^[23].

Современная мода представляет собой многонациональную индустрию, охватывающую большинство крупных стран. Семь государств приобрели международную известность в этой сфере: Соединённые Штаты Америки, Франция, Италия, Великобритания, Япония, Германия и Бельгия.

«Большая четвёрка» столиц моды — Нью-Йорк, Париж, Милан и Лондон — являются центрами притяжения для дизайнеров и любителей моды со всего мира.

В Соединенных Штатах Америки индустрия моды является одной из наиболее развитых и разнообразных в мире. Большинство домов моды в США сосредоточено в Нью-Йорке, особенно в районе Гармент и на западном побережье, в Лос-Анджелесе.

Майами, известный своими пляжами и курортной атмосферой, стал новым центром моды, особенно в сфере купальников и пляжной одежды.

Нью-Йоркская неделя моды, которая проводится дважды в год — в феврале и сентябре, является старейшей из четырёх крупнейших недель моды, проводимых в мире.

Новая школа дизайна Parsons, расположенная в Гринвич-Виллидж в Нижнем Манхэттене, считается одной из лучших школ моды в мире.

В Соединенных Штатах Америки издаётся множество журналов о моде, которые находят читателей по всему миру. В качестве примеров можно привести такие издания, как Vogue, Harper’s Bazaar и Cosmopolitan.

Американский дизайн одежды характеризуется исключительным разнообразием, что отражает полиэтнический состав населения страны. В основе дизайна лежит следование строгим канонам городской эстетики, а также стремление к созданию повседневного стиля, отражающего активный и здоровый образ жизни представителей среднего класса, проживающих в пригородах и крупных городах.

Ежегодная церемония Met Gala, проводимая на Манхэттене, является кульминацией высокой моды и самым престижным событием в мире дизайна. На этом мероприятии чествуют модельеров и их творения^[24].

Мода также активно представлена в социальных сетях. Некоторые влиятельные лица, имеющие большое количество подписчиков, получают значительные гонорары за продвижение товаров или предметов одежды. Компании рассчитывают на то, что многие зрители, привлечённые авторитетом этих лиц, приобретут товары, не обращая внимания на рекламу^[25].

Instagram является наиболее популярной платформой для продвижения товаров и услуг, однако также активно используются Facebook, Snapchat, Twitter и другие социальные сети. Сообщество ЛГБТ-дизайнеров в Нью-Йорке вносит значительный вклад в популяризацию модных тенденций. Трансвеститы оказали существенное влияние на Неделю моды в Нью-Йорке^[26].

Среди известных американских брендов можно выделить: Calvin Klein, Ralph Lauren, Coach, Nike, Vans, Marc Jacobs, Tommy Hilfiger, DKNY, Tom Ford, Michael Kors, Levi Strauss and Co., Estée Lauder, Revlon, Kate Spade, Alexander Wang, Vera Wang, Victoria's Secret, Tiffany & Co., Converse, Oscar de la Renta, Anna Sui, Bill Blass, Halston, Carhartt, Brooks Brothers, Stuart Weitzman, Diane von Furstenberg, American Eagle Outfitters, Abercrombie and Fitch, Juicy Couture, Guess, Supreme, The Timberland Company.

В конце 1980-х — начале 1990-х годов бельгийские дизайнеры создали новый стиль, представляющий собой уникальное сочетание элементов восточной и западной моды. Они привнесли в мир моды свои уникальные идеи и видение, оставив значительный след в истории индустрии.

Среди наиболее выдающихся бельгийских дизайнеров можно выделить «Антверпенскую шестёрку»: Энн Демельмейстер, Дриса Ван Нотена, Дирка Биккембергса, Дирка Ван Саене, Вальтера Ван Бейрендонка и Марину Йи. Также стоит отметить Мартина Марджела, Рафа Симонса, Криса Ван Аша, Бруно Пьетерса и Энтони Ваккарелло, которые также внесли значительный вклад в развитие моды^[27].

Лондон является одним из ведущих центров модной индустрии Соединённого Королевства. Здесь представлены разнообразные зарубежные бренды, гармонично сочетающиеся с современными британскими тенденциями. Характерной чертой британского дизайна является элегантность и инновационность. В последнее время в нём наблюдается тенденция к сочетанию традиционных элементов с современными технологиями, что делает его всё более необычным. Винтажный стиль занимает особое место в британской моде. Дизайнеры часто используют сочетание старого и нового, что придаёт британскому стилю богемную эстетику. Ирландская мода также находится под влиянием британских тенденций в дизайне и стайлинге.

Среди известных британских дизайнеров можно выделить Томаса Берберри, Альфреда Данхилла, Пола Смита, Вивьен Вествуд, Стеллу Маккартни, Джимми Чу, Джона Гальяно, Джона Ричмонда, Александра Маккуина, Мэттью Уильямсона, Гарета Пью, Хуссейна Чалаяна и Нила Барретта.

Большинство домов моды во Франции расположено в Париже, который по праву считается столицей мировой моды. Французская мода известна своим изысканным стилем, который проявляется в элегантных тканях, утончённом крое и изысканных аксессуарах. Французская мода получила международное признание и восхищение.

Мадрид и Барселона — два города, которые являются олицетворением величия и самобытности испанской моды. Испанская мода, несмотря на свою приверженность традициям и консерватизм, обладает уникальной способностью оставаться актуальной и неподвластной времени^[28].

Испанские дизайнеры известны своей осторожностью и сдержанностью в выборе нарядов. Тем не менее, они дали миру множество талантливых дизайнеров и брендов, среди которых: Balenciaga, Маноло Бланик, Элио Берханьер, Кристобаль Баленсиага, Пако Рабанн, Адольфо Домингес, Мануэль Пертегас, Хесус дель Посо, Фелипе Варела и Агата Руис де ла Прада.

Испания также является родиной таких крупных модных брендов, как Zara, Massimo Dutti, Bershka, Pull&Bear, Mango, Desigual, Pepe Jeans и Camper, которые завоевали популярность и признание во всём мире^[29].

Берлин, столица Германии, представляет собой центр немецкой моды. Ежегодно здесь проводится Берлинская неделя моды, а в сотрудничестве с Igedo проходят крупнейшие европейские выставки модной одежды. Также важными центрами моды являются Мюнхен, Гамбург и Кёльн. Немецкая мода отличается элегантными линиями, инновационным молодёжным дизайном и разнообразием стилей.

В Индии большинство модных домов расположено в Мумбаи, и Lakme Fashion Week — неделя моды, проводимая раз в два года в Дели и Мумбаи — является одним из ключевых событий в мире моды этой страны: показ летней коллекции проходит в апреле, а показ зимней коллекции — в августе. Организатором мероприятия выступает косметический бренд Lakme, специализирующийся на продукции для индийских женщин. Lakme Fashion Week была основана в 1999 году и первоначально проводилась в партнёрстве с Советом по дизайну одежды Индии (FDCI). Впоследствии спонсорство было передано бренду Lakme^[30].

Милан является не только столицей итальянской моды, но и центром притяжения для всех, кто интересуется этой сферой. Многие итальянские дизайнеры старшего поколения предпочитают работать в Риме, однако Милан и Флоренция также играют важную роль в итальянской индустрии моды, где проводятся выставки коллекций ведущих дизайнеров.

Итальянская мода характеризуется непринуждённостью и гламурной элегантностью, и Миланская неделя моды, которая проводится дважды в год — в феврале и сентябре, привлекает внимание любителей моды, байеров и представителей средств массовой информации со всего мира. В центре Милана они собираются, чтобы насладиться этим фееричным событием.

В Токио, столице Японии, расположено большинство японских модных домов. Ежегодно здесь проводится Токийская неделя моды — крупнейшее событие в области моды в Азии.

Японский стиль одежды характеризуется свободой и отсутствием строгих рамок. Это часто достигается за счёт сложного кроя. В цветовой палитре японских дизайнеров преобладают тёмные и утончённые оттенки. Ткани обладают богатой текстурой.

Среди известных японских дизайнеров можно выделить таких мастеров, как Кензо Такада, Иссей Мияке, Ёджи Ямамото и Рей Кавакубо.

В историческом контексте китайская одежда традиционно ассоциировалась с низким качеством как внутри страны, так и за её пределами. Это формировало определённые стереотипы о китайских брендах. Однако в 1990-е годы, благодаря ослаблению правительственной цензуры, граждане Китая получили доступ к модным журналам. Это стало началом нового этапа в развитии китайской моды. С тех пор китайские дизайнеры начали получать образование в ведущих мировых школах моды. Такие талантливые дизайнеры, как Шушу Тонг и Руй Чжоу, стали известны на мировых неделях моды^[31].

Шанхай стал центром моды в Китае. В начале 2020-х годов поколение Z стало пионерами движения гочао, которое характеризуется стремлением к локальным дизайнерам, использующим элементы китайской истории и культуры^[32].

Гонконгский бренд одежды Shanghai Tang черпает вдохновение в китайской одежде 1920-х и 1930-х годов. Бренд сочетает современные тенденции XXI века и яркие цвета^[33].

Кроме того, возрождение интереса к традиционной одежде китайцев привело к увеличению спроса на одежду от кутюр, выполненную с использованием элементов традиционного китайского костюма, особенно в преддверии китайского Нового года^[34].

До XVIII века русский костюм оставался практически неизменным, сохраняя глубокую связь с народными традициями и религиозными устоями^[35]. Одежда четко разделялась по сословиям: крестьяне носили простые льняные и шерстяные рубахи, сарафаны, порты и армяки, в то время как знать облачалась в парчовые кафтаны, шубы и одежду, украшенную жемчугом и вышивкой. Костюм не только защищал от холода, но и выполнял символическую функцию, указывая на социальный статус, региональную принадлежность и даже семейное положение человека^[36].

С приходом к власти Петра I началась насильственная европеизация русского костюма. Указы 1700 года предписывали боярам и дворянам носить платье европейского образца — камзолы, чулки, башмаки с пряжками и парики . Это было частью масштабной модернизации страны, направленной на интеграцию России в европейское культурное пространство. Петр видел в одежде инструмент экономического развития, стимулируя создание собственной текстильной промышленности . Однако эти нововведения встретили сопротивление консервативных кругов, видевших в них угрозу национальной идентичности^[37].

XIX век стал периодом интенсивного развития модной индустрии в России. В Москве и Санкт-Петербурге открывались модные дома, парикмахерские и бутики, а из-за границы привозились новейшие парижские тенденции^[37]. Ключевые события:

• Кринолин и корсет: В середине века доминировала мода на кринолины — каркасы из стальных обручей, создававшие неестественно широкий силуэт юбки. Их популяризировал Чарльз Уорт, который стал поставщиком российского императорского двора^[37][38].
• Журналы мод: С 1860-х годов стали популярны издания «Вестник моды», «Новый русский базар» и «Модный свет», которые транслировали актуальные тенденции широкой публике^[37].
• Национальный романтизм: В конце века под влиянием славянофильства и роста патриотических настроений в моду вошли элементы русского народного костюма — например, павловопосадские платки и кокошники^[37].

Ключевые элементы моды XIX века в России

Эпоха модерна принесла с собой демократизацию моды. С развитием капитализма и ростом городского среднего класса следование моде стало массовым явлением . Горожане стремились к комфорту и элегантности, а модные журналы стали важным источником информации и формирования вкуса^[38]. В это же время Надежда Ламанова, «русская Шанель», начала создавать элегантные платья, сочетавшие европейский крой с русскими художественными традициями. Её клиентками были не только аристократки, но и актрисы, включая Веру Холодную^[37].

После революции 1917 года мода стала частью государственной идеологии. Конструктивисты Варвара Степанова и Любовь Попова проектировали прозодежду — практичную одежду для рабочих, отражавшую идеалы нового общества . Однако с укреплением сталинского режима мода оказалась под жестким контролем. В 1930-е годы появились Дома моделей, которые создавали образцы одежды для промышленности, но их работы часто были далеки от реальной жизни . В условиях дефицита советские люди проявляли невероятную изобретательность, перешивая старую одежду и создавая уникальные вещи из доступных материалов. В Советском Союзе модные тенденции во многом формировались под влиянием тенденций, характерных для западного мира. Однако социалистическая идеология оказывала существенное воздействие на эти тенденции, часто сдерживая их развитие. Кроме того, из-за дефицита товаров народного потребления у населения не было возможности приобрести готовую модную одежду.

Распад СССР в 1991 году открыл новые возможности для моды. Появились первые частные Дома моды и дизайнеры, которые стремились интегрироваться в глобальную индустрию . Валентин Юдашкин потряс Париж своими коллекциями, вдохновленными искусством Фаберже, и стал первым российским дизайнером, принятым в Парижский синдикат высокой моды . В 1990-е годы также заявили о себе Игорь Чапурин и Татьяна Парфенова, которые совместили кутюрную эстетику с русскими мотивами .

С 2000-х годов российская мода переживает настоящий бум. Такие дизайнеры, как Ульяна Сергеенко, Алёна Ахмадуллина и Гоша Рубчинский, получили международное признание . Их успех строится на умении транслировать русскую культурную идентичность на язык современной моды:

• Ульяна Сергеенко создает романтические образы, вдохновленные советским прошлым и русскими сказками .
• Алёна Ахмадуллина известна своими сказочно-мифологическими коллекциями с фольклорными мотивами .
• Гоша Рубчинский революционизировал streetwear, введя в моду эстетику постсоветского пространства .

Большинство швейцарских домов моды расположено в Цюрихе. Швейцарский стиль в одежде отличается непринуждённостью, элегантностью, роскошью и некоторой долей оригинальности. Кроме того, на него значительное влияние оказала местная клубная культура^[39].

При создании одежды коренные жители Мексики руководствовались выбором материалов и ресурсов, доступных в их регионах, что определило «ткань, форму и конструкцию народной одежды». Текстильные изделия изготавливались из растительных волокон, таких как хлопок и агава. Выбор ткани зависел от социального статуса. Геометрические формы оказали значительное влияние на силуэты мексиканской одежды^[40].

Уипиль — блуза, представляющая собой свободную тунику без рукавов, сшитую из двух или трёх соединённых полотнищ ткани, сшитых вдоль — является важным историческим предметом одежды, который часто можно увидеть и сегодня.

После испанского завоевания традиционная мексиканская одежда претерпела значительные изменения, приобретя сходство с испанской. Коренные народы Мексики используют особую вышивку и цвета, чтобы подчеркнуть свою индивидуальность. Мексиканский розовый — это уникальный цвет, который стал символом самобытности мексиканской культуры и отражает дух страны. Термин «Мексиканская роза» был введён в обиход выдающимися личностями, такими как актриса Долорес дель Рио и дизайнер Рамон Валь, живший в Нью-Йорке. Эти люди первыми обратили внимание на этот цвет и начали использовать его в своих работах^[41].

Появление в Мексике газет и журналов, таких как «El Imparcial» и «El Mundo Ilustrado», стало важным событием. Эти издания информировали крупные города, такие как Мехико, о европейской моде. Это привело к открытию универмагов, что изменило существующий темп развития моды. Люди с высоким социальным статусом начали использовать европейскую моду и одежду, чтобы выделиться среди окружающих. Хуана Катарина Ромеро была одной из первых, кто начал применять эти тенденции в своей работе^[42].

• Модельер — это специалист, который создаёт одежду, сочетая в ней гармоничные линии, пропорции, цвета и текстуры. Хотя навыки шитья и создания выкроек могут быть полезны, они не являются обязательными для успешного дизайна одежды. Большинство модельеров получают специальное образование или проходят стажировку.
• Технический дизайнер работает в тесном сотрудничестве с командой дизайнеров и фабриками за рубежом, чтобы обеспечить высокое качество одежды. Он тщательно выбирает ткани и создаёт модели, которые обеспечивают идеальную посадку и комфорт при носке. Прежде чем запустить массовое производство, технический дизайнер тщательно изучает образцы одежды и определяет, какие изменения необходимо внести в крой и конструкцию.
• Специалист по созданию лекал, также известный как «мастер лекал» или «лекальщик», занимается разработкой чертежей форм и размеров элементов одежды. В своей работе он может использовать как традиционные методы, такие как бумага и измерительные инструменты, так и современные компьютерные программы САПР. Ещё один способ — это нанесение ткани непосредственно на форму платья. По полученным образцам мастер может сконструировать детали, соответствующие предполагаемому дизайну и требуемому размеру. Для работы в качестве лекальщика обычно требуется формальное обучение.
• Портной, специализирующийся на пошиве одежды по индивидуальным меркам, особенно костюмов (пальто, брюк, жакетов и юбок), работает с клиентами, учитывая их индивидуальные особенности. Портные обычно проходят стажировку или получают другое формальное образование.
• Дизайнер текстиля — это специалист, который занимается разработкой тканей и принтов для одежды и предметов интерьера. Большинство дизайнеров текстиля получают профессиональное образование в качестве учеников или в специализированных учебных заведениях.
• Стилист — это специалист, который отвечает за подбор одежды, украшений и аксессуаров для модных фотосессий и показов. Стилист также может работать с индивидуальными клиентами, создавая для них гармоничные и стильные образы. Многие стилисты обладают глубокими знаниями в области дизайна одежды, истории моды и исторического костюма, а также имеют представление о современном рынке моды и тенденциях. Однако некоторые стилисты обладают развитым чувством стиля, которое позволяет им создавать эффектные и гармоничные образы.
• Покупатели модной одежды выбирают и приобретают товары из широкого ассортимента, представленного в магазинах розничной торговли, универмагах и торговых сетях. Большинство покупателей модной одежды имеют образование в области бизнеса или проявляют интерес к моде.
• Швея — это специалист, который занимается изготовлением одежды вручную или с использованием швейной машины. Она может работать в производственном цехе или на фабрике в качестве оператора швейной машины. Однако у неё может не быть навыков для самостоятельного проектирования и создания лекал, а также для точной подгонки одежды по фигуре.
• Портниха специализируется на пошиве женской одежды на заказ, включая дневные, коктейльные и вечерние платья, деловую одежду и костюмы, приданое, спортивную одежду и нижнее бельё.
• Специалист по прогнозированию моды — это человек, который предсказывает, какие цвета, фасоны и формы будут популярными («в тренде») ещё до того, как одежда появится в продаже.
• Модель — это человек, который демонстрирует одежду на показах мод и фотосессиях. Также модель помогает дизайнеру в процессе создания одежды, примеряя её и давая обратную связь о посадке во время разработки и предварительного производства. Для этого модель должна иметь определённые параметры.
• Журналист, специализирующийся на моде, создаёт материалы для периодических изданий, освещая последние тенденции в мире моды и описывая представленные образцы одежды.
• Фотограф, работающий в сфере моды, сотрудничает с моделями и стилистами, создавая фотографии модных образов, которые впоследствии публикуются в журналах или используются рекламными агентствами