Стиль (искусство)

Любое произведение искусства теоретически может быть проанализировано с точки зрения стиля: ни один период, ни один художник не могут избежать наличия стиля, разве что путём полной некомпетентности^[6], а природные явления не могут обладать стилем, поскольку стиль есть результат выбора создателя^[7]. При этом совершенно не принципиально, осознаёт ли художник свой стиль или умеет его определить. Мастера развитых современных обществ, как правило, очень хорошо осведомлены о собственном стиле, в то время как авторы прошлых эпох делали свой выбор преимущественно неосознанно^[8].

Большинство стилистических периодов выделяются и именуются искусствоведами постфактум, хотя художники иногда сами определяли и называли свой стиль. Названия многих старых стилей были изобретены искусствоведами и были бы непонятны представителям этих направлений. Некоторые из этих терминов возникли как насмешливые эпитеты, в том числе готика, барокко и рококо^[9]. Кубизм, напротив, был осознанно определён группой художников; название возникло у критиков, однако вскоре было принято самими авторами.

Западное искусство, как и художественные традиции некоторых других культур (особенно искусство Китая), проявляет заметную тенденцию к периодическим возрождениям «классических» форм и мотивов прошлого^[10]. В искусствоведческом анализе визуальных искусств стиль трактуется отдельно от иконографии, которая охватывает сюжет и содержание произведения, хотя, по мнению Джаса Элснера, «это, разумеется, не совсем верно для каждого конкретного случая, но такое разграничение оказалось чрезвычайно полезным для научной риторики»^[11].

Классические теоретики искусства и немногочисленные средневековые авторы, писавшие об эстетике, практически не развили концепцию стиля в изобразительном искусстве (в отличие от значительного внимания к стилю в литературе и риторике)^[12]. Хотя мыслители эпохи Возрождения и барокко проявляли большой интерес к тому, что современники назвали бы «стилем», единой теории этого понятия у них не сложилось, за пределами архитектуры:

Художественные стили меняются вместе с культурными условиями; для каждого современного искусствоведа это самоочевидно, но для историков раннего Возрождения и более ранних эпох это была невероятная идея. Неизвестно, чтобы подобные мысли находили выражение и в античности… Плиний Старший был внимателен к изменению художественных техник, однако рассматривал такие изменения как функцию технического прогресса или материального достатка. Вазари также объяснял необычность и, по его мнению, недостаточность раннего искусства нехваткой технологий и культурного развития^[13]

Джорджо Вазари (1511–1574) создал чрезвычайно влиятельную, но неоднократно пересматривавшуюся схему развития стиля итальянской (прежде всего флорентийской) живописи от Джотто до маньеристского времени. Он подчёркивал развитие флорентийской линии, базировавшейся на чертёжах, линиях, в противоположность «цвету» венецианской школы. Как и другие теоретики Возрождения (например, Леон Баттиста Альберти), он продолжал античные споры о соотношении реалистичности и идеализации в искусстве, которые сохранялись до XIX века и появления модернизма^[14].

Теоретик неоклассицизма Иоганн Иоахим Винкельман в 1764 году сопоставил эволюцию стиля античного искусства в Древней Греции с изменением стиля в искусстве Возрождения, а Георг Гегель сформулировал принцип типичного стиля каждой исторической эпохи, оказав громадное влияние на искусствознание^[15]. Хотя термин Zeitgeist часто приписывают Гегелю, на самом деле он его не употреблял; в работе «Лекции по философии истории» звучит выражение der Geist seiner Zeit («дух своего времени»): «Никто не может выйти за пределы своей эпохи, ведь дух времени есть также и его собственный дух»^[16].

Разработку схем исторических стилей искусства и архитектуры осуществляли немецкоязычные исследователи XIX века: Карл Фридрих фон Румор, Готфрид Земпер, Алоиз Ригль (сочинение «Stilfragen» 1893), а также Хайнрих Вёльфлин и Пауль Франкль^[17]. Пауль Якобсталь и Йозеф Стшиговский разрабатывали крупные концепции передачи художественных элементов на больших временных и географических отрезках. Подобные подходы часто называют формализмом, то есть изучением формальной стороны произведений^[18].

Земпер, Вёльфлин, Франкль (и позднее Аккерман) происходили из архитектурной среды, а такие термины, как «романский» или «готический», изначально применялись именно к стилям архитектуры, где различия заметны и воспроизводимы благодаря определённым правилам, тогда как в живописи или скульптуре строгих предписаний не существует. Затем такие термины распространялись на все изобразительные искусства, а затем — на музыку, словесность и культуру вообще^[19].

В архитектуре перемены стиля нередко связаны с внедрением новых технологий или материалов, например, нервюрного свода в готике или металлоконструкций в современности. Большой научный спор разгорается вокруг вопроса, насколько изменения стиля в иных областях (живопись, керамика и др.) объясняются техническими новациями, или же первичный импульс имеет социальный характер (в духе Кунстволлен по Риглю) либо определяется материально-экономическими условиями, как считает современная историческая школа в рамках менее жёстких версий марксистской эстетики^[20].

Хотя стиль оставался основным анализом истории искусства до XX века, стал постепенно утрачиваться приоритет столь жёсткого подхода^[21]. По выражению Светланы Алперс, «обычное упоминание о стиле в искусствоведении — удручающее занятие»^[22]. Джеймс Элкинс указывает: «В XX веке критика понятия стиля была ориентирована на дальнейшее сокращение гегелевских элементов концепции, сохраняя лишь управляемые компоненты»^[23]. Мейер Шапиро, Джеймс Аккерман, Эрнст Гомбрих и Джордж Кублер (The Shape of Time: Remarks on the History of Things, 1962) внесли существенный вклад в дискуссию, соотносясь с развитием общей критической теории^[24]. В 2010 году Джас Элснер выразился ещё резче: «Почти весь XX век стилевая история искусства была бесспорным монархом дисциплины, а после революций 1970–80-х годов монарх оказался низложен»^[25], хотя сам же отмечает живучесть этой традиции, особенно в археологии.

В употреблении таких терминов, как «контр-маньера», наблюдается спад по мере роста отторжения «ярлыков стилей» среди искусствоведов. Так, в 2000 году ведущий историк итальянской живописи XVI века Марсия Б. Холл, ученица Сидни Джозефа Фридберга, была раскритикована рецензентом за продолжение использования этих и других терминов, несмотря на оговорку об их сведении к минимуму и «заметку о стилевых ярлыках» во вступлении^[26].

Одна из редких современных попыток объяснить процесс изменений художественного стиля, а не только их описание и классификацию, принадлежит психологу Колину Мартиндейлу, предложившему эволюционную теорию изменений стиля на принципах дарвинизма^[27], однако эта модель не получила широкого признания среди искусствоведов.

Традиционно искусствоведение придаёт большое значение индивидуальному стилю художника^[28]: «Понятие личного стиля — идея, что индивидуальные особенности проявляются не только в рисунке, но и в особенностях письма автора (например, в литературе), — это важная часть западного понимания индивидуальности»^[29]. Выделение личного стиля особенно важно для атрибуции произведений, что напрямую влияет на их рыночную стоимость — прежде всего, в западной традиции с эпохи Возрождения. Установлением индивидуального стиля занимаются, как правило, специалисты — эксперты, так называемые коннессёры^[30], в основном связанные с художественным рынком и музеями, что часто приводит к напряжённости между ними и академическими искусствоведами^[31].

Практика конносьёрства в большой степени субъективна, но подразумевает и знание техник, индивидуальных «почерков» авторов. Джованни Морелли (1816–1891) был пионером систематического изучения диагностических особенностей, которые невольно повторялись художниками в деталях (например, в изображении рук или ушей) — эта методика была затем развита Бернардом Беренсоном и далёкими следователями, а впоследствии распространилась и на скульптуру (пример — применение Джоном Бизли к росписи древнегреческих ваз)^[32]. Технические приёмы часто помогают анализу индивидуального стиля. Хотя обучение в традиционных художественных мастерских эпохи до модернизма во многом было имитационным, всегда оставалось пространство для личной вариации. Миф о «секретах мастерства», хранимых у выдающегося художника, — старинный троп искусствознания, от валеологов Вазари о Яне ван Эйке до скрытности Сёра^[33].

Вместе с тем представление об индивидуальном стиле не ограничивается западной традицией. В китайском искусстве эта категория столь же значима, однако традиционно считается важной в определённых областях (прежде всего в каллиграфии и живописи учёных, но не, скажем, в производстве фарфора)^[34] — аналогично западному различию между декоративными и визуальными искусствами. Китайская живопись допускает также более раннее выражение автором политических и социальных взглядов, чем это принято считать для Запада^[35]. Каллиграфия как высшее искусство на Востоке и в исламском мире актуализирует индивидуальный стиль, в то время как западный идеал каллиграфии направлен, скорее, на подавление личностных особенностей (в то время как графология, напротив, полагается на распознавание индивидуального почерка).

Художник Эдвард Эдвардс писал в «Anecdotes of Painters» (1808): «Манера письма мистера Гейнсборо была настолько своеобразной, что его работы не нуждались в подписи»^[36]. Примеры отчётливо индивидуального стиля: кубистское искусство Пикассо, поп-арт Энди Уорхола, импрессионизм Ван Гога, дриппинг Джексона Поллока.

Понятие «манеры» близко к стилю, но чаще применяется к подстилю, выделяющему определённые технические или выразительные особенности^[37]. Если элементы стиля часто представимы через формальные схемы или формы, то под манерой чаще понимают общий облик и атмосферу произведения — особенно в сложных случаях (например, живопись), малоподдающихся чёткому описанию. В современной науке термин считается устаревшим из-за своей неопределённости. Как правило, манера упоминается в контексте подражаний индивидуальному стилю художника и служит одним из дипломатических терминов в искусствоведческом обороте: «В манере Рембрандта» означает отдалённое сходство работы с оригиналом. В каталоге аукционного дома Christie's поясняется: «"В манере..." — по нашему мнению, работа выполнена в стиле художника, но позднее». Для фарфора: «Тарелка в стиле Вустера» значит «копия или подражание работам заданной фабрики, региона или страны». Например, картина, проданная Bonhams в 2011 году как «в манере Рембрандта», ныне приписана анонимному последователю XVIII века, а другая аналогичная работа с аукциона Christie's в 2010 году принесла лишь 750 фунтов^[38].

Маньеризм, как исторический термин, происходит от итальянского слова итал. maniera («манера»), однако само понятие манеры может применяться весьма широко.

В археологии, несмотря на появление точных методов (радиоуглеродный анализ), стиль культуры или эпохи остаётся основным критерием атрибуции и датировки не только произведений искусства, но и практически всех типов артефактов, вплоть до функциональных предметов (вопрос, существуют ли полностью «утилитарные» вещи, остаётся спорным)^[39]. В ряде случаев проводилось выделение индивидуальных стилей мастеров даже для глубоко древних эпох, вплоть до ледникового периода Европы^[40].

Аналогично искусствоведению, археологический стилевой анализ начинается с формального анализа формы (морфологии) предмета. Это ведёт к построению типологий археологических объектов и позволяет, путём сериационного анализа, получать относительную датировку там, где абсолютные методы невозможны (часто при работе с керамикой, камнем, металлом)^[41]. Керамические осколки часто численно преобладают на памятниках, позволяя с высокой достоверностью датировать даже небольшие фрагменты по стилю. В отличие от искусствоведения, развитие теории в археологии (от культурно-исторического подхода к процессуализму и пост-процессуализму) не снизило значимости стилевого анализа: классификация объектов по стилю остаётся необходимым этапом исследования^[42].

Стилизация — использование условных способов изображения объектов или сцен без стремления к полной, точной или правдоподобной передаче внешности (или мимесису и реализму), в пользу декоративности или выразительности. Более строго стилизация определяется как «декоративное обобщение фигур и объектов с помощью различных конвенциональных приёмов: упрощения линий, форм, пропорций пространства и цвета»^[43], а также замечается, что «стилизованное искусство сводит визуальное восприятие к паттернам линий, орнаментации поверхности и плоскости»^[44].

Древнее, традиционное, современное и массовое искусство (например, карикатуры, анимация) часто используют стилизованные изображения: например, Симпсоны предельно стилизованы, как и традиционная африканская скульптура. Изменение стиля человека у Пикассо на иллюстрациях в начале статьи наглядно выражает тенденцию художника к более стилизованному изображению фигуры^[45]. Уффингтонская белая лошадь — пример стилизованного доисторического наскального рисунка. И мотивы в декоративно-прикладном искусстве (палметта, арабески) обычно представляют стилизованные части растений.

Даже в целом «реалистичных» произведениях искусства элементы стилизации встречаются довольно часто — в деталях, мелких элементах, изображениях фигур и деревьев на дальнем плане и т. п., однако зрителю эти приёмы, как правило, не бросаются в глаза^[46]. Эскизы, наброски, учебные работы почти всегда стилизованы.

В некоторых случаях «стилизованный» — это любое оформление в определённом стиле, в том числе в американском английском это выражение относится к написанию названия организации или бренда («AT&T также пишется ATT или at&t»), однако это значение слабо освещено в словарях.

В 2012 году в Lawrence Technological University (Мичиган) проводился эксперимент: компьютер, проанализировавший около 1 000 картин 34 известных авторов с помощью специального алгоритма, группировал их по категориям стиля аналогично работе искусствоведов^[47]. Анализ включал выборку более 4 000 визуальных параметров на картину^[47][48].

Программы и приложения (например, Deep Art Effects) могут преобразовывать фотографии в «арт-стиле» известных живописцев, таких как Ван Гог^[49][50]. С развитием продвинутых текст-изображение ИИ-приложений для визуального искусства задание стиля стало широко распространённой функцией в 2020-х годах^{[51][52][53][54][55][56]}.