АссистентНовый вопросИсторияОбласти знаний
Партнёрские проектыМатериалы БРЭСпецпроектыСтать автором
Настроить видСменить язык
О РУВИКИ
Ответ на вопрос

Арт-поп

Pause

Арт-поп (англ. Art pop; также известны другие вариации названия артпоп и арт поп) — музыкальный жанр, широко охарактеризованный стиль в поп-музыке[6], вдохновлённый поп-артом, интегрированный элитарной и неэлитарной культурами и подчеркнутый манипуляциями с символами, стилем и жестами над самовыражением[7][8]. Арт-поп артисты вдохновляются постмодернизмом обращаясь к эстетике[9], а также к другим формам искусства, таким как мода, изящное искусство, кино и авангардной литературе[3][10]. Также жанр может отклоняться от традиционных поп-аудитории и рок-музыкальных конвенций[11], вместо этого исследуя такие идеи, как статус в поп-музыке как коммерческое искусство, понятия об искусственности и собственной личности и вопросы историзма[7].

Начиная с середины 1960-х годов, британские и американские поп-артисты, такие как Брайан Уилсон, Фил Спектор и The Beatles, стали включать идеи поп-арт движения во время записи музыки[6]. Британские арт-поп музыканты черпали вдохновение в своих учениях из академии художеств[10], когда в Америке арт-поп опирался на влиянии поп-арт художника Энди Уорхола и аффилированной к нему группой The Velvet Underground[12], а также пересекался с движением певцов и поэтов-песенников народной музыки[6]. Арт-поп пережил свой «золотой век» в 1970-х годах благодаря таким исполнителям, как Дэвид Боуи и Roxy Music, в чьих творчествах были охвачены театральность и одноразовость поп-культуры[13].

В конце 70-х и 80-х годов традиции арт-поп музыки были продолжены в таких жанрах, как пост-панк и синти-поп, а также в британской сцене новой романтики[4][11], развиваясь дальше с музыкантами, которые отказались от традиционных рок-инструментов и музыкальной структуры в пользу танцевальной музыки и синтезатора[11]. В 2010-х годах появились новые тенденции арт-попа, такие как хип-хоп художники, опираясь на визуальное искусство и художников vaporwave, исследующих чувства современного капитализма и интернета.

Общие сведения

Происхождение

Подробнее см. Поп-арт

Арт-поп как жанр возник из распада постмодернизма, опираясь как на элитарное, так и на неэлитарное искусство с элементами современных проблем арт-поп артистов в плане социологической интерпретации и исторической достоверностью, при этом черпая вдохновение в понятии искусственности и коммерции[14]:

Если постмодернизм означает распад элитарных/неэлитарных культурных границ, то это означает также конец этого исторического мифа, в который входят арт-поп музыканты, усложнявшие социологические чтения о том, что означает музыка, вводя в действие свои собственные свидетельства подлинности и искушение.

— Мэтью Баннистер. White Boys, White Noise: Masculinities and 1980s Indie Guitar Rock[8]

В отличие от романтической и автономной традиции арт- и прогрессивного рока, в данном жанре подчёркивается манипуляция с разными символами и знаками, опирающихся на эстетику повседневного и одноразового[15]:

Исторически сложилось так, что «арт-рок» использовался для описания, по крайней мере, двух родственных, но разных видов рок-музыки[16]. Первый — это прогрессив-рок, в то время как второе употребление относится к группам, которые отвергли психоделию и контркультуру хиппи в пользу модернистского авангардного подхода, определённого группой The Velvet Underground[16] В рок-музыке 1970-х годов под «художественным» дескриптором, обычно, понимался как «агрессивный авангард», так и «претенциозный прогрессив».

— Ноэл Мюррей. The A.V. Club[17]

Музыкальный социолог Саймон Фрит отличал присвоение искусства к поп-музыке как особую озабоченность модой, жестом и ироническим использованием исторических эпох и жанров[18]. Центральной частью для таких практикующих распространителей стиля были понятия о себе как о работе по строительству или искусству[11], а также озабоченное желание в создании разных терминов, изображений, процессов и влияний[19]. Ник Коулман из The Independent писал следующее: «Арт-поп отчасти касается отношения и стиля, но это так же касается и самого искусства. Это, если можно, способ сделать чистый формализм социально приемлемым в поп-контексте»[20].

Культурист-теоретик Марк Фишер писал, что развитие арт-поп музыки эволюционировало из триангуляции поп-музыки, искусства и моды[11]. В то же время Саймон Фрит утверждает, что это было «более или менее» вдохновленно непосредственно поп-арт искусством[2][3] (музыковед Аллан Мур предполагает, что термин «поп-музыка», возможно, возник из поп-арта[21]). По мнению критика Стивена Холдена, арт-поп часто относится к любому поп-стилю, который сознательно стремится к формальным ценностям классической музыки и поэзии, хотя эти работы часто продаются как коммерческий продукт, а не оседают в уважаемых культурных учреждениях[6]. DJ Taylor из The Independent и Питер Аспден из Financial Times отметили попытки арт-поп музыки дистанцировать свою аудиторию от широкой публики[22][23].

История

Предыстория

Во второй половине XX века границы между искусством и поп-музыкой стали более размытыми[24]. В 1960-е годы такие поп-музыканты, как Джон Леннон, Сид Барретт, Пит Тауншенд, Брайан Ино и Брайан Ферри начали черпать вдохновение из своих исследований в области художественной школы в прошлом[3]. Саймон Фрит заявляет, что в Великобритании художественная школа представляла собой «традиционный маршрут эвакуации для ярких детей рабочего класса, а также питательную среду для молодых групп, таких как The Beatles и выше»[14]. Арт-поп в Северной Америке был под влиянием Боба Дилана и бит-поколения и стал более литературным благодаря движению певца и поэта-песенника фолк-музыки[25]. Ещё до того, как арт-/прогрессивный рок стал самым коммерчески успешным британским звучанием в начале 1970-х годов, психоделическое движение в 1960-х объединило искусство и коммерциализм, разъяснив тем самым вопрос о том, что значит быть «артистом» в массовой среде[26]. Музыканты прогрессивной музыки считали, что художественный статус зависит от личной автономии, и поэтому стратегия «прогрессивных» рок-групп состояла в том, чтобы представить себя как исполнителей и композиторов «выше» обычной поп-деятельности[27].

undefined

Другим главным влиянием на развитие арт-попа стало новое движение в искусстве известное как поп-арт[25]. Сам термин «поп-арт», был впервые придуман для описания эстетической ценности товаров массового производства и был непосредственно применим к современному феномену рок-н-ролльной музыки (включая Элвиса Пресли, икона раннего поп-арта)[28]. По словам Саймона Фрита: «[Поп-арт] оказался сигналом конца романтизма — быть искусством без художников. Прогрессивный рок стал последней ставкой богемников… В этом контексте ключевым теоретиком поп-музыки был не [Ричард] Гамильтон или любой другой британский художник, который, несмотря на их интерес к массовому рынку, оставался только академическим поклонником, а Энди Уорхол. Для Уорхола значительной проблемой была не относительные достоинства „элитарного“ и „неэлитарного“ искусства, а отношения между всем искусством и „коммерцией“ в целом»[29]. Американская группа The Velvet Underground, чьими протеже был Уорхол, подражала синтезу искусства и поп-музыки присуще Уорхолу, вторя его акценту на простоте и новаторскому модернистскому авангардистскому подходу к арт-року, который игнорировал традиционные иерархии художественного представительства[30].

Когда The Velvet Underground впервые появились в середине 1960-х годов, они столкнулись с отказами и обычно увольнялись как «пидорская группа».

— Мэтью Баннистер. White Boys, White Noise: Masculinities and 1980s Indie Guitar Rock[31]

1960-е годы: Возникновение

Стивен Холден прослеживает истоки поп-музыки в середине 1960-х годов, когда такие продюсеры, как Фил Спектор и музыканты, такие как Брайан Уилсон из The Beach Boys, начали включать псевдосимфонические текстуры в свои поп-записи (оба являются американцами), а также первые записи The Beatles при участии струнного квартета[25]:

Благодаря своей влиятельной работе Уилсон и продюсер The Beatles Джордж Мартин распространили идею студии звукозаписи как творческую среду, которая могла бы помочь в процессе написания песен.[32]. Писатель Майкл Джонсон подчёркивает Pet Sounds (1966) группы The Beach Boys и Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band группы The Beatles (1967) в качестве первого документально подтвержденного «восхождения» рок-н-ролла[33]. Ричард Уильямс также приписывал Филу Спектору преобразование рок-музыки как исполнительского искусства в искусство, которое могло существовать только в студии звукозаписи и которая «проложила путь для арт-рока».

— Ричард Уильямс. Phil Spector: Out of His Head[34]

Журналист Питер Доггет охарактеризовал «Strawberry Fields Forever», как арт-поп песню, отметив его попытку «исключить... массовую аудиторию»[35]. По словам писателя Мэтью Баннистера, Уилсон и Спектор были известны как «одержимые отшельники студии… [которые] обычно отсутствовали в своей собственной работе», и, как Уорхол, Спектор существовал «не как присутствующий, а как контролирующий или организующий принцип за и под поверхностью СМИ. Оба чрезвычайно успешные коммерческие художники, и оба одновременно отсутствуют и присутствуют в своих собственных творениях»[36]. Писатель Эрик Дэвис назвал арт-поп Уилсона «уникальным в истории музыки»[37], в то время как коллаборационист Ван Дайк Паркс сравнил его с современными работами Уорхола и художника Роя Лихтенштейна, сославшись на его способность поднимать обычный или избитый материал до уровня «высокого искусства»[38]:

По словам биографа Питера Эймса Карлина, который пришёл к выводу, что, за возможным исключением Уилсона, «The Beach Boys практически не проявляли заметного интереса к тому, что вы могли бы назвать миром идей[39]». Неизданная Smile Уилсона, задуманная и записанная в 1966-67 годах, была описана как попытка создать эру «великого арт-поп альбома»[40] и «выдающегося психоделического поп-арт заявления»[41].

В движении, которое было обозначено The Beatles, The Beach Boys, Филом Спектором и Фрэнком Заппа[42], доминирующий формат поп-музыки перешёл от синглов к альбомам, и многие рок-группы создали работы, которые стремились сделать великие художественные заявления, где арт-рок будет процветать[25]. Музыковед Ян Инглис пишет, что обложка альбома The Beatles 1967 года Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band была «воспринята как в значительной степени ответственная за связи между искусством и поп-музыкой»[43]. Хотя Sgt. Pepper’s предшествовало несколько альбомов, которые начали соединять линию между «одноразовой» поп- и «серьезной» рок-музыкой, он успешно дал установленный «коммерческий» голос альтернативной молодёжной культуре[44]. Писатель Майкл Джонсон писал, что арт-поп музыка будет продолжать существовать и после The Beatles, но никогда не достигнет по популярности их уровня успеха[33]:

Фрит сравнил сложный дизайн альбома с «чтением андеграундной прессы»… [умение, которое] всегда строилось вокруг чувства отличия от «массовой» поп-аудитории. Арт-рок был «выше» всех уровней. … обывателей нужно было держать подальше. Он также отмечает, что Заппа нацелился на проблему поп-коммерциализма с обложкой альбома The Mothers of Invention 1968 года We're Only in It for the Money, который пародировал обложку Sgt.Pepper’s[45].

The Who были «первой поп-арт группой» по словам их менеджера, в то время как член группы Пит Тауншенд объясняет: «Мы выступаем за поп-арт одежду, поп-арт музыку и поп-арт поведение… мы не меняемся за кулисами, мы живём поп-артом»[46]. Фрит считает, что их альбом The Who Sell Out (декабрь 1967) «возможно, шедевр арт-попа», который использует «жизнеспособность» самой коммерции, тактику, повторяемую Роем Вудом из The Move, а затем Кевина Годли и Лола Крима из 10cc[46]. Идеи Тауншенда были известны своим акцентом на коммерциализм: «[его] использование риторики поп-арта… относится не к музицированию как таковому — к проблеме самовыражения, а к коммерческому музицированию, к вопросам оформления альбома (упаковке), продажи и рекламы, к проблемам популярности и славы»[46]. В интервью в мае 1967 года, Тауншенд придумал термин «пауэр-поп», чтобы описать музыку The Who, The Small Faces и The Beach Boys. Пауэр-поп позже развился как жанр, известный своей реконфигурацией тропов 1960-х[47].

1970-е годы: Нью-Йоркская сцена и глэм

Примечания

  1. ↑ Holden, Stephen (February 28, 1999). "MUSIC; They're Recording, but Are They Artists?" Архивная копия от 30 ноября 2016 на Wayback Machine. The New York Times.
  2. ↑ 1 2 Frith & Horne (2016), p. 74.
  3. ↑ 1 2 3 4 Buckley, 2012, p. 21.
  4. ↑ 1 2 3 4 Fisher, Mark. You Remind Me of Gold: Dialogue with Simon Reynolds (англ.) // Kaleidoscope : journal. — 2010. — No. 9.
  5. ↑ Harper, Adam (December 7, 2012). "Comment: Vaporwave and the pop-art of the virtual plaza" Архивная копия от 1 апреля 2015 на Wayback Machine. Dummy.
  6. ↑ 1 2 3 4 Holden, Stephen (February 28, 1999). «MUSIC; They’re Recording, but Are They Artists?» Архивная копия от 30 ноября 2016 на Wayback Machine. The New York Times.
  7. ↑ 1 2 Frith, 1989, p. 116, 208.
  8. ↑ 1 2 Bannister, 2007, p. 184.
  9. ↑ Frith (1989), p. 116, 208.
  10. ↑ 1 2 Fisher, 2014, p. 5.
  11. ↑ 1 2 3 4 5 Fisher, Mark (November 7, 2007). «Glam’s Exiled Princess: Roisin Murphy». Fact. London. Archived from the original on November 10, 2007.
  12. ↑ Frith & Horne (2016), pp. 113–114.
  13. ↑ Lester, Paul (11 June 2015). «Franz and Sparks: this town is big enough for both of us» Архивная копия от 26 августа 2016 на Wayback Machine. The Guardian.
  14. ↑ 1 2 Frith, 1989, p. 208.
  15. ↑ Frith, Horne, 2016, p. 98.
  16. ↑ 1 2 Bannister, 2007, p. 37.
  17. ↑ Murray, Noel 60 minutes of music that sum up art-punk pioneers Wire. The A.V. Club (28 мая 2015). Дата обращения: 20 октября 2018. Архивировано 31 октября 2015 года.
  18. ↑ Frith, 1989, p. 97.
  19. ↑ White, Armond The Best of Roxy Music Shows Ferry's Talent for Exploring Pop While Creating It. Дата обращения: 15 марта 2016. Архивировано 6 августа 2016 года.
  20. ↑ Live Box, The Independent, Independent Print Limited (31 августа 2003).
  21. ↑ Moore, 2016, "The (Very) Long 60s", pp. 12–13.
  22. ↑ DJ Taylor. Electric Shock: From the Gramophone to the iPhone: 125 Years of Pop Music by Peter Doggett, book review, The Independent (13 августа 2015). Архивировано 25 декабря 2015 года. Дата обращения: 15 марта 2016.
  23. ↑ Aspden, Peter. «The Sound and Fury of Pop Music.» Financial Times. 14 August 2015.
  24. ↑ Edmondson, 2013, p. 1233.
  25. ↑ 1 2 3 4 Holden, Stephen. MUSIC; They're Recording, but Are They Artists? (28 февраля 1999). Архивировано 30 ноября 2016 года. Дата обращения: 17 июля 2013.
  26. ↑ Frith, Horne, 2016, p. 99.
  27. ↑ Frith, Horne, 2016, pp. 74, 99–100.
  28. ↑ Frith, Horne, 2016, p. 103.
  29. ↑ Frith, Horne, 2016, p. 108.
  30. ↑ Bannister, 2007, pp. 44–45.
  31. ↑ Bannister, 2007, p. 45.
  32. ↑ Edmondson, 2013, p. 890.
  33. ↑ 1 2 Johnson, 2009, p. 197.
  34. ↑ Williams, 2003, p. 38.
  35. ↑ Aspden, Peter. "The Sound and Fury of Pop Music." Financial Times. 14 August 2015.
  36. ↑ Bannister, 2007, pp. 38, 44–45.
  37. ↑ Davis, Erik. Look! Listen! Vibrate! SMILE! The Apollonian Shimmer of the Beach Boys (9 ноября 1990). Архивировано 4 декабря 2014 года. Дата обращения: 14 января 2014.
  38. ↑ Himes, Geoffrey Surf Music. teachrock.org. Rock and Roll: An American History. Архивировано 25 ноября 2015 года.
  39. ↑ Carlin, 2006, p. 62.
  40. ↑ Richardson, Mark. The Smile Sessions review (англ.) // Pitchfork : online magazine. — 2011. — 2 November. Архивировано 6 июля 2013 года.
  41. ↑ Staton, Scott A Lost Pop Symphony. The New York Review of Books (22 сентября 2005). Дата обращения: 12 сентября 2013. Архивировано 31 октября 2015 года.
  42. ↑ Julien, 2008, pp. 30, 160.
  43. ↑ Julien, 2008, p. 102.
  44. ↑ Holm-Hudson, 2013, p. 10.
  45. ↑ Frith, Horne, 2016, pp. 57–58, 99.
  46. ↑ 1 2 3 Frith, Horne, 2016, p. 101.
  47. ↑ Lester, Paul Powerpop: 10 of the best. The Guardian (11 февраля 2015). Дата обращения: 29 июня 2019. Архивировано 10 октября 2018 года.

Литература

Дополнительно по теме

Категории

Pause