Эллис, Дон

Эллис родился в Лос-Анджелесе, штат Калифорния, 25 июля 1934 года. Его отец был методистским священником, а мать — церковной органисткой. Он учился в школе West High School в Миннеаполисе (Миннесота). Эллис заинтересовался джазом после посещения концерта биг-бенда Томми Дорси. Другими ранними вдохновителями были Луи Армстронг и Диззи Гиллеспи. В 1956 году он окончил Бостонский университет со степенью по музыкальной композиции^[2].

Первая работа Эллиса была в оркестре покойного Гленна Миллера под управлением Рэя Маккинли. Он оставался в оркестре до сентября 1956 года, когда вступил в Симфонический оркестр Седьмой армии США и труппу Soldiers' Show Company. Эллис был переведён на службу во Франкфурт (Германия). В армейском оркестре он познакомился с пианистом Сидаром Уолтоном, а также саксофонистами Эдди Харрисом и Доном Мензой. Там же Эллис впервые получил возможность сочинять и делать аранжировки для биг-бенда.

Через два года Дон Эллис покинул армейский оркестр и переехал в Гринвич-Виллидж (Нью-Йорк). Ему удавалось находить работу, но в основном с танцевальными оркестрами и другими местными коллективами. Он недолго гастролировал с бэнд-лидером Чарли Барнетом, а весной 1959 года присоединился к оркестру Мейнарда Фергюсона. С Фергюсоном он проработал девять месяцев^[3].

Вскоре Эллис стал участником нью-йоркской сцены авангардного джаза. Он появился на альбомах Чарльза Мингуса, Эрика Долфи и Джорджа Расселла (в секстете последнего он работал два года). В период с 1960 по 1962 год Эллис провёл несколько сессий под собственным именем с малыми составами. В них участвовали, среди прочих, Джеки Байард, Пол Блей, Гэри Пикок, Рон Картер, Чарли Персип и Стив Своллоу. Последняя из этих работ, Essence, была записана в середине июля 1962 года.

3 июня 1962 года Эллис исполнил джазовую литургию Evensong, написанную Эдгаром Саммерлином. Выступление состоялось на Первом международном джазовом фестивале в Вашингтоне и транслировалось в программе Look Up and Live 12 августа 1962 года. Эллис выступал вместе с Лу Глукиным (труба), Джей Ар Монтероузом (тенор-саксофон), Эриком Долфи (флейта), Слайдом Хэмптоном (тромбон), Диком Либом (бас-тромбон), Барри Гэлбрейтом (гитара), Роном Картером (бас) и Чарли Персипом (ударные)^[4].

В октябре 1962 года Эллис отправился в Польшу для участия в фестивале Jazz Jamboree в Варшаве; выступление его квартета было частично задокументировано на польском 10-дюймовом EP. Эллис описал свой опыт в статье «Warsaw Diary», опубликованной в номере журнала DownBeat от 3 января 1963 года^[5]. В декабре Эллис принял участие в джазовом семинаре NDR в Гамбурге (Германия)^[6], а в начале 1963 года посетил Стокгольм (Швеция). Там он стал известен благодаря экспериментам с хэппенингами, похожими на акции участников художественного движения Fluxus^[7].

Вернувшись в Нью-Йорк, Эллис создал Improvisational Workshop Orchestra, дебютное выступление которого состоялось 10 февраля 1963 года в клубе Five Spot^[8]. (В коллекции Дона Эллиса есть ещё одна запись этой группы, датированная 9 февраля^[9], но, возможно, это репетиционная лента). Выступление по качеству напоминало шведские перформансы Эллиса: использовались необычные художественные приёмы, например, исполнители использовали карты для определения порядка событий, а музыканты интерпретировали работы художников с помощью инструментов. Применялись и нестандартные музыкальные элементы, такие как арабские ритмы и гаммы, а также шарканье ногами^[8].

В 1964 году Эллис поступил в аспирантуру по этномузыкологии в UCLA, где учился у индийского музыканта Харихара Рао. Вдохновлённый Рао, Эллис стремился внедрить нечётные размеры в контекст западной импровизации и (совместно с Рао) стал соавтором статьи «An Introduction to Indian Music for the Jazz Musician» (1965)^[10]. В это время Эллис ненадолго собрал первую версию своего биг-бенда, но распустил её, получив грант Рокфеллера для работы в Университете штата Нью-Йорк в Буффало в течение года^[8][11][12].

Находясь в Нью-Йорке, Эллис участвовал в нескольких проектах третьего течения. Живое выступление 8 февраля 1964 года в Линкольн-центре было снято для серии концертов Леонарда Бернстайна Young People’s Concerts. Он выступал с другими джазовыми музыкантами вместе с Нью-Йоркским филармоническим оркестром в произведениях Ларри Остина «Improvisations for Orchestra and Jazz Soloists» (1961) и Гюнтера Шуллера «Journey Into Jazz» (1962). Поздняя запись пьесы Остина с участием Эллиса, басиста Барра Филлипса, барабанщика Джо Кокуццо и Нью-Йоркского филармонического оркестра (под управлением Бернстайна) вышла на альбоме Leonard Bernstein Conducts Music Of Our Time (1965).

В ноябре 1967 года Лос-Анджелесский филармонический оркестр под управлением Зубина Меты впервые исполнил первую симфонию Эллиса «Contrasts for Two Orchestras and Trumpet»^[8].

Вернувшись на Западное побережье, Эллис создал The Hindustani Jazz Sextet, который исследовал концепции, изученные им в UCLA. Секстет обычно считается первой группой такого рода в Америке. Коллектив строился вокруг Эллиса и его наставника Харихара Рао, игравшего на ситаре и табла. В состав также входили вибрафонист Эмиль Ричардс, барабанщик Стив Боханнон, басисты Чак Доманико и Рэй Неаполитан, а также пианист Дэйв Маккей. По крайней мере в одном выступлении участвовал саксофонист Гейб Балтазар. Группа исполняла в основном оригинальные композиции с названиями вроде «Sweet Nineteen», «Turks Works» и «Bombay Bossa Nova».

Секстет стал довольно известен в Лос-Анджелесе, несмотря на отсутствие коммерчески доступных записей. Возможно, наибольшую известность группе принесло исполнение композиции Эллиса «Synthesis», в которой секстет играл вместе с Neophonic Orchestra Стэна Кентона. Концерт состоялся в феврале 1966 года в Музыкальном центре Лос-Анджелеса.

14 июля того же года секстет выступил в Fillmore Auditorium Билла Грэма на разогреве у Grateful Dead и Big Brother and the Holding Company.

Помимо работы с The Hindustani Jazz Sextet, Эллис продолжал писать аранжировки и репетировать с составом, который впоследствии стал Оркестром Дона Эллиса (Don Ellis Orchestra). Этот репетиционный оркестр играл каждый понедельник почти год^[13], сначала в заведении Club Havana, а затем переехал в клуб Bonesville в Голливуде, где начал набирать значительную популярность^[14]. Группа начала зарабатывать деньги, взимая небольшую плату за вход на репетиции, и запустила кампанию с письмами, чтобы получить место на Джазовом фестивале в Монтерее 1966 года. Кампания в итоге увенчалась успехом, и выступление группы было запланировано на сентябрь того же года^[15].

Оркестр Дона Эллиса отличался от большинства других биг-бендов по нескольким параметрам; наиболее очевидным было инструментальное оснащение, а также внедрение Эллисом элементов индийской музыки в современные аранжировки для биг-бенда. Опираясь на свой опыт композитора и аранжировщика, а также на изучение индийской музыки, Эллис начал писать джазовую музыку с использованием размеров, которые он изучал с Рао. Сюда входили не только ⁵⁄₄, ⁷⁄₈ и ⁹⁄₄, но и более сложные ритмические циклы, такие как ¹⁹⁄₈ и ²⁷⁄₁₆. Многие из этих сложных циклов были вдохновлены поздним интересом Эллиса к народной музыке Восточной Европы, в частности Греции и Болгарии.

У Эллиса также была специальная труба, изготовленная для него компанией Holton, которую он получил в сентябре 1965 года^[16]. Её дополнительный (четвёртый) клапан позволял извлекать четвертитоны, что было результатом предыдущего участия Эллиса в авангардной классической музыке, где многие композиторы экспериментировали с западной тональностью и интервалами, особенно Гарри Парч, с которым Эллис встречался и обсуждал идеи^[17].

Все эти ъэлементы объединились, создав музыкальный опыт, не похожий ни на что, что ранее видела публика в Монтерее. Оркестр получил бурные аплодисменты и овации стоя после первой же композиции, названной «33 222 1 222» в соответствии с её подразделением размера 19. Группа продолжила играть пьесы в размерах 7, 9 и 27, а также пару вещей в более стандартных метрах. Фрагменты концерта были выпущены на лейбле Pacific Jazz в следующем году. Переиздание на CD 1998 года включает несколько других композиций с концерта; в примечаниях к CD также указано, что один номер, «Concerto for Trumpet», на самом деле был записан месяцем позже на фестивале Pacific Jazz Festival в Коста-Месе. (Исполнение этой пьесы в Монтерее, по-видимому, не соответствовало стандартам Эллиса и продюсера альбома Ричарда Бока).

После этого успешного прорывного выступления группа сыграла на Pacific Jazz Festival в октябре 1966 года и в клубе Shelly’s Manne Hole в марте 1967 года, выпустив фрагменты каждого выступления на альбоме Live in 3+²⁄₃/4 Time (Pacific Jazz, 1967).

Примерно в это же время продюсер Columbia Records и менеджер по артистам и репертуару (A&R) Джон Хэммонд решил привлечь группу на лейбл. Контракт был подписан, и в сентябре 1967 года группа отправилась в студию для записи альбома Electric Bath. Выпущенный в следующем году, альбом получил широкое признание, был номинирован на премию «Грэмми», выиграл награду «Альбом года» журнала DownBeat (1968) и достиг 8-го места в джазовых чартах Billboard. Песня «Indian Lady» стала одной из самых популярных композиций группы. В «Open Beauty» Эллис исполнил соло на трубе с использованием эхоплекса — инновационное сочетание акустических инструментов и электронных технологий. Эллис продолжал развивать «электрофонную трубу» в течение следующих пяти лет.

В феврале 1968 года Оркестр Дона Эллиса вернулся в студию для записи второго альбома, который получил название Shock Treatment. Однако возникло недопонимание, и альбом был выпущен с плохим монтажом и худшими альтернативными дублями, которые Эллис не утверждал:

После завершения альбома я сделал сведение и монтаж здесь, в Калифорнии, а затем отправил готовый продукт в Нью-Йорк. Только когда альбом уже вышел, я услышал тираж. К своему ужасу я обнаружил, что без консультации со мной весь альбом был переделан — использовались отвергнутые мастер-ленты и неутверждённые дубли (не те, которые я выбрал и отредактировал), в альбоме были не те мелодии, были сделаны несанкционированные склейки, нарушившие музыкальное течение некоторых композиций (из тактов даже пропали доли), целые секции были вырезаны, причём некоторые из них были кульминационными моментами альбома. Поэтому аннотация, написанная к оригинальному альбому, не соответствует тому, что на самом деле есть на пластинке, привлекая внимание к соло и ярким моментам, которых там нет. […] Кроме того, на конверте указан неверный состав.

Когда я обнаружил, что произошло, я, естественно, был возмущён и попросил Columbia переделать альбом. Они любезно согласились, и я смог вернуть альбом к его первоначальному виду, за исключением того, что я оставил «Mercy Maybe Mercy», которая особенно понравилась моему продюсеру, вместо «Zim», которая, надеюсь, появится в будущем альбоме^[18].

В конце 1968 года оркестр несколько раз возвращался в студию для записи песен, которые составили альбом Autumn. Альбом содержал двадцатиминутный опус «Variations for Trumpet», демонстрировавший виртуозную игру Эллиса на трубе. Также на пластинке была «Pussy Wiggle Stomp», песня, которая сменила «Indian Lady» в качестве визитной карточки оркестра. Вторая сторона пластинки содержала две длинные композиции с концерта в Стэнфордском университете в августе 1968 года. Треки примечательны тем, что раскрывают современное концертное звучание группы Эллиса, которое было гораздо более шумным, чем на любой из их предыдущих концертных записей.

В начале 1969 года оркестр снова был в студии Columbia для записи The New Don Ellis Band Goes Underground — сборника поп-песен (в аранжировке Эллиса) и нескольких оригинальных композиций. В альбоме участвует вокалистка Патти Аллен в песнях Лоры Ниро, The Isley Brothers и Sly Stone; также включена «Bulgarian Bulge», композиция, основанная на болгарской народной мелодии в размере ³³⁄₁₆.

Энергичные живые выступления группы, подобные концерту в Стэнфорде, способствовали росту её популярности среди студенческой аудитории. В июне 1970 года оркестр выступал три вечера подряд в зале Fillmore West Билла Грэма на разогреве у Quicksilver Messenger Service и Леона Расселла. Полученная запись была издана как двойной LP и выпущена Columbia в конце 1970 года. Альбом Live at Fillmore стал счастливым возвращением к оригинальному материалу и даже включал один кавер The Beatles — весьма экспериментальную версию «Hey Jude», а также ещё одну версию «Pussy Wiggle Stomp».

Примерно в это же время росла популярность Эллиса среди педагогов; копии партитур его группы публиковались и исполнялись многими школьными и студенческими биг-бендами. Соответственно, Эллис проводил множество мастер-классов и играл со многими школьными оркестрами.

В мае 1971 года Эллис добавил в оркестр струнный квартет. Он также нанял болгарского пианиста-виртуоза Милчо Левиева, который мог свободно импровизировать в размерах, поначалу пугавших большинство американских импровизаторов. Он стал важным активом группы Эллиса и оставался с ним пять лет. Оркестр был записан в конце мая в клубе Basin Street West в Сан-Франциско. Получившийся альбом Tears of Joy стал ещё одним концертным двойным LP и был выпущен в конце 1971 года^{[19][20][21][22][23][24]}. Альбом включал композицию «Strawberry Soup», которая стала предметом нескольких докторских диссертаций благодаря своей метрической сложности, простой теме с сложными вариациями и широкому тембральному спектру^[25][26][27].

Примерно в это время к Эллису обратился кинорежиссёр Уильям Фридкин с предложением написать музыку к его фильму «Французский связной». Эллис принял предложение и написал музыку, которую исполнил его собственный оркестр. Позже Эллис получил премию «Грэмми» за этот проект («Лучшая инструментальная аранжировка»), а в 1975 году ему предложили написать музыку к сиквелу фильма, «Французский связной 2».

Последний альбом Эллиса для Columbia, Connection, был записан в августе 1972 года. В альбом вошли «The Theme from 'The French Connection'» (сокращённая версия музыки к фильму) и «Chain Reaction», виртуозная пьеса давнего соратника Хэнка Леви в размере ¹³⁄₈. Наряду с этими ключевыми треками присутствуют аранжировки нескольких поп-песен исполнителей Кэрол Кинг, Yes, Эндрю Ллойда Уэббера и The Carpenters. Аранжировки, как правило, были ироничными; часто Эллис перекладывал их в другие размеры или аранжировал мелодию в юмористическом ключе. Вокала на этом альбоме нет.

Независимо от того, что вдохновило Эллиса на вольные интерпретации популярного материала, Connection стал последним альбомом оркестра для Columbia.

В 1973 году оркестр записал Soaring — сборник оригинальных композиций. Милчо Левиев написал «Sladka Pitka», основанную на болгарской народной песне. Пьеса Хэнка Леви с этого альбома, «Whiplash», позже прозвучала в фильме «Одержимость». Пластинка была выпущена лейблом MPS Records, который также выпустил следующий альбом Эллиса, Haiku. Запись, в которой участвовали Милчо Левиев, басист Рэй Браун, барабанщик Джон Герин и большой струнный оркестр, состоит из десяти песен, каждая из которых основана на японском стихотворении хайку. Альбом отличается расслабленным и интроспективным настроением. Haiku, предположительно, был записан в конце 1973 года и выпущен в 1974 году.

В 1974 году Эллис заинтересовался музыкой Бразилии и даже начал изучать португальский язык, чтобы лучше общаться с местными музыкантами^[28]. В это время он руководил концертной группой под названием Organic Band — урезанной версией оркестра, в которой не было электронных инструментов или обработки звука (кроме усиления). В группе также участвовал вокальный квартет.

Эти занятия были отложены, когда у Эллиса начались проблемы со здоровьем: он чувствовал одышку после подъёма на один лестничный пролёт. Он лёг в больницу в Нью-Йорке, где врач диагностировал у него митральный стеноз — состояние, вызывавшее нарушение сердечного ритма. Ему прописали лекарства, и он вернулся домой в Лос-Анджелес. Вскоре он обратился в местную больницу, где ему поставили новый диагноз — дефект межпредсердной перегородки. Были проведены дополнительные тесты, и наконец был поставлен третий диагноз: кардиомиопатия. Эллису прописали больше лекарств, но его состояние ухудшилось, и рано утром в мае 1975 года у него произошла фибрилляция желудочков^[29]. Позже Эллис описывал состояние на грани смерти^[30].

К 1976 году Эллис вернулся к работе, хотя эта деятельность мало задокументирована. 3 декабря 1976 года Оркестр Дона Эллиса выступил в телевизионном спецвыпуске Ширли Маклейн под названием Where Do We Go From Here?. Оркестр сыграл аранжировку Эллиса «Sweet Georgia Brown», переименованную в «Sweet Shirley MacLaine». В аранжировке присутствовало соло Арта Пеппера, хор чечёточников и вернувшаяся электрофонная труба.

В 1977 году Эллис подписал контракт с Atlantic Records, который обещал профинансировать поездку оркестра на Джазовый фестиваль в Монтрё в Швейцарии в обмен на концертную запись этого выступления. Однако звукозаписывающая компания попросила Эллиса сначала записать аранжировки двух песен из фильма «Звёздные войны». Песни «Star Wars (Main Title)» и «Princess Leia’s Theme» должны были выйти в виде сингла на 45 оборотов. В июне лейбл в спешке попросил Эллиса записать целый альбом материала, чтобы иметь альбом для продажи на случай, если сингл станет хитом. Ему пришлось сделать это до отъезда группы в Монтрё, до которого оставалось около недели. Кроме того, песни для этого альбома не должны были дублировать те, что позже появятся на концертном альбоме.

Эллис получил некоторую помощь от коллег-композиторов и аранжировщиков Томми Вига и Курта Берга, но в основном писал всё сам. Альбом был собран наспех и выпущен под названием Music from Other Galaxies and Planets; все песни были переименованы в «космическом» стиле, например «Orion’s Sword» и «Crypton».

Выступление группы в Монтрё было хорошо принято, и последующий альбом достиг 48-го места в джазовых чартах Billboard. Это был последний альбом Эллиса в качестве лидера, хотя он появлялся на альбомах Ника Гилдера (You Know Who You Are) и Томми Вига (1978).

Последнее известное публичное выступление Эллиса состоялось 21 апреля 1978 года в зале Westside Room в Сенчури-Сити. После этого врач приказал ему воздержаться от гастролей и игры на трубе, так как это создавало слишком большую нагрузку на сердце. 17 декабря 1978 года, после посещения концерта Джона Хендрикса, у Эллиса случился смертельный сердечный приступ в его доме в Северном Голливуде, где с ним жили родители. Считается, что причиной стала сердечная аритмия. Ему было 44 года. Эллис похоронен на участке Sheltering Hills мемориального парка Форест-Лаун в Голливуд-Хиллз (Калифорния).

Эллис оказал сильное влияние на тех, с кем работал. Бывший сайдмен Стю Блумберг благодарил Эллиса за подготовку к особенностям нестандартной музыки в саундтреках к фильмам. Тенор-саксофонист Джим Снодграсс отмечал: «Думаю, во многих отношениях Дон был учителем. Одной вещью, которой научила меня его музыка, было то, что я могу сыграть всё, что мне абсолютно необходимо». Сайдмены Том Скотт, Джон Клеммер, Гленн Феррис, Милчо Левиев и некоторые другие, сделали успешные сольные карьеры. Ральф Хамфри и Фред Селден построили успешную карьеру в качестве сайдменов, сессионных музыкантов или педагогов. Эллис был убеждённым либертарианцем. По словам некоторых его студентов, это проистекало из его открытости к музыке других культур.

Большинство альбомов Эллиса переизданы на CD. Columbia Records, изначально выпустившая семь альбомов Эллиса, переиздала только Electric Bath (самый продаваемый альбом Эллиса) в 1997 году; права на остальные были переданы другим компаниям для переиздания. Сегодня, благодаря таким лейблам, как Koch Jazz, Wounded Bird и Mighty Quinn Productions, почти все его альбомы переизданы на CD и легко доступны. Британская звукозаписывающая компания Sleepy Night недавно выпустила ряд CD с концертными записями из частной коллекции Дона Эллиса.

Эллис также написал множество статей и несколько книг. The New Rhythm Book (1972) представляет методы практики и исполнения в необычных метрах и включает сопроводительную пластинку/кассету под названием New Rhythms. Его вторая книга, Quarter Tones, опубликованная в 1975 году, является теоретическим руководством по использованию четвертитонов. Обе книги подробны и предоставляют обширный исторический и культурный фон по своим темам. Quarter Tones также содержит этюды и упражнения. Обе книги трудно найти, так как они, предположительно, не переиздавались с момента выхода первых тиражей.

Библиотека и коллекция Дона Эллиса находятся в архиве этномузыкологии UCLA. До этого (с 1981 по 2000 год) она хранилась в Истфилд-колледже, входящем в систему колледжей округа Даллас (DCCCD) в Меските (Техас). Наряду с рукописями, инструментами и другими предметами, там находится его премия «Грэмми» за лучшую музыку к фильму «Французский связной» (1971)^[12].

Интерес Эллиса к расширению возможностей инструментария биг-бенда очевиден даже на его первом оркестровом релизе, Live at Monterey (1966). Вдохновлённый опытом работы с латиноамериканскими группами^[13], Эллис расширил ритм-секцию до двух ударных установок, трёх контрабасов, по меньшей мере двух перкуссионистов, фортепиано и органа. В песне «Turkish Bath» с альбома Electric Bath (1967) басист Рэй Неаполитан также играет на ситаре. Секции духовых часто были довольно типичными, хотя позже он добавил тубу и валторну для усиления медной группы, а иногда саксофонисты играли на флейте, гобое, кларнете и сакселло.

В 1967 году Эллис начал экспериментировать с электроникой. Его пианист стал использовать электропиано Fender Rhodes, клавинет и электрический клавесин. Сам Эллис начал использовать то, что он называл «электрофонной трубой» (electrophonic trumpet) — трубу, звук которой усиливался и часто пропускался через различные процессоры эффектов. Впервые это новшество появилось в композиции «Open Beauty» с альбома Electric Bath (1967), где Эллис исполняет расширенное соло, обрабатывая звук трубы через эхоплекс. Эллис также несколько раз использовал кольцевой модулятор, созданный для него Томом Оберхаймом.

В 1968 году Эллис заменил контрабасистов одним бас-гитаристом (сначала Джо Джулианом, затем Деннисом Ф. Паркером и, наконец, Дэйвом Макдэниелом). Он также нанял гитариста Джея Грейдона, который оставался в группе несколько лет.

В 1971 году для тура Tears of Joy Эллис добавил в группу струнный квартет. Инструменты усиливались с помощью недавно разработанных звукоснимателей Barcus-Berry, чтобы их было слышно на фоне медных и саксофонов. Эти новые тембры открыли для Эллиса источник творческих возможностей. Как он объяснял: «Люди проводят целые вечера, слушая медный квинтет, деревянный духовой или струнный квартет, поэтому я рассудил, что наличие ВСЕХ этих инструментов в контексте биг-бенда должно дать нам фантастическое разнообразие красок, из которых можно черпать»^[31].

Альбом 1974 года Haiku был записан с использованием джазового квартета при поддержке полного струнного оркестра. Из-за размера группы этот состав, вероятно, никогда не планировался как замена гастролирующему Оркестру Дона Эллиса.

В «Organic Band» Эллиса, гастролировавшем весной и летом 1974 года, численность группы сократилась с 21—22 до 15 человек. Секция духовых была сокращена более чем наполовину, струнный квартет убран, добавлен вокальный квартет, и не использовалась электроника (кроме усиления) для изменения звучания группы.

После сердечного приступа Эллис ненадолго вернулся к электрофонной трубе и продолжал использовать синтезаторы и электронные клавишные. Струнный квартет, ставший опорой с 1971 года, остался наряду с медными духовыми. Он также начал играть на двух новых инструментах — супербоне и Firebird, которые представляли собой комбинацию тромбона с клапанами и кулисой и трубы соответственно. На обоих инструментах также играл Мейнард Фергюсон.

С Мейнардом Фергюсоном

• Maynard Ferguson Plays Jazz for Dancing (Roulette, 1959)
• Newport Suite (Roulette, 1960)
• Maynard '64 (Roulette, 1963)

С Джорджем Расселлом

• George Russell Sextet in K.C. (Decca, 1961)
• The Stratus Seekers (Riverside, 1961)
• Ezz-thetics (Riverside, 1961)
• The Outer View (Riverside, 1962)

С другими

• Чарльз Мингус, Mingus Dynasty (Columbia, 1959)
• Фрэнк Заппа, Absolutely Free (Verve, 1967) — труба в «Brown Shoes Don’t Make It»

• Эд Шонесси
• Ральф Хамфри
• Дэвид Гарибальди^[32]

• The New Rhythm Book (Ellis Music Enterprises, 1972)
• Quarter tones: A Text with Musical Examples, Exercises and Etudes (Harold Branch Publishing, Inc., 1975)
• Rhythm: A New System of Rhythm Based on the Ancient Hindu Techniques. [не издана] (Objective Music Company, Inc., 1977)