Морли, Малкольм

Морли родился в северном Лондоне. Детство будущего художника было омрачено Второй мировой войной: в его дом попала бомба, и семья некоторое время оставалась без крыши над головой^[6]. Морли вспоминал, что собрал из бальсы модель «HMS Nelson» и поставил её на подоконник — немецкая бомба разрушила её вместе с домом. Мальчик подавлял эти воспоминания, пока через 30 лет не вспомнил об этом на сеансе психоанализа.

Будучи подростком, Морли приговорили к трём годам заключения за кражи. Находясь в тюрьме Уормвуд-Скрабс, он прочёл роман Ирвинга Стоуна «Жажда жизни», основанный на биографии Винсента Ван Гога, а затем поступил на заочный художественный курс. Досрочно освободившись через два года за хорошее поведение, Малкольм присоединился к колонии художников в Сент-Айвсе (графство Корнуолл) и продолжил художественное образование в Школе искусств Камберуэлла и Королевском колледже искусств (1955—1957), где его сокурсниками были Питер Блейк и Франк Ауэрбах. В 1956 году он посетил выставку «Современное искусство Соединённых Штатов: избранные работы из коллекции Музея современного искусства» в галерее Тейт и начал создавать картины в стиле абстрактного экспрессионизма.

В 1957 году Морли побывал в Нью-Йорке, который в то время был крупным центром западного искусства. На следующий год он переехал туда на постоянное место жительства. Среди его знакомых были такие художники как Барнетт Ньюман, Сай Твомбли, Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол. В 1964 году в галерее Корнбли состоялась первая персональная выставка Малкольма, организованная в том числе по настоянию арт-дилера, Ивана Карпа, который работал на легендарного арт-дилера, Лео Кастелли^[7].

В середине 1960-х годов Морли короткое время преподавал в Университете штата Огайо, а затем вернулся в Нью-Йорк, где с 1967 по 1969 год работал в Школе визуальных искусств, а затем с 1970 по 1974 год — в Университете Стони-Брука^[8].

Галерея «Уайтчепел» в Лондоне организовала крупную ретроспективную выставку работ Морли в 1983 году, в результате он стал обладателем новой на те времена премии Тёрнера 1984 года, присуждённоц галереей Тейт. На выставке номинантов художник представил инсталляцию из двух картин, вдохновлённых поездкой в Грецию^[9].

В 1984 году Морли купил заброшенную методистскую церковь в Беллпорте (Лонг-Айленд, штат Нью-Йорк), которая стала его домом до конца жизни. В начале 1980-х он состоял в браке с бразильской художницей, Марсией Гростейн, оказавшей значительное влияние на работы Малкольма, особенно на его известные акварельные сцены на пляже. В 1990 году мастер получил американское гражданство.

Малкольм Морли скончался 1 июня 2018 года в Беллпорте (штат Нью-Йорк), где жил с Лидой Морли, его женой, с 1986 года.

С 2022 года наследием художника («The Estate of Malcolm Morley») управляет галерея «Petzel»^[10].

Ранние работы Морли, выполненные в Англии после окончания художественной школы, выдержаны в традиционным, натуралистическом стиле живописи. Как пишет искусствовед, Роберт Сторр, произведения художники были компромиссом между натурализмом старой школы, и искусством, современность которого заключалась в изображении узнаваемых предметов повседневности^[7].

После переезда в Нью-Йорк в начале 1960-х годов Морли обратился к абстрактной живописи и создал в этом стиле несколько картин, состоящих только из горизонтальных полос с неопределёнными намёками на морские темы либо в изображении, либо в названиях произведений.

После встречи с Энди Уорхолом и Роем Лихтенштейном художник переключился на фотореализм (сам Морли предпочитал название «суперреализм»). Для переноса фотографических изображений на холст он использовал сетку, как это делал Ричард Арчвагер. Предметами картин часто становились корабли. Фотореалистичные произведения принесли художнику славу одного из лучших представителей направления наряду с Герхардом Рихтером, Ричардом Артшвагером и Вией Целминьш.

Увидев одну из картин с изображением океанского лайнера, Артшвагер предложил Морли посетить Пирс 57 и нарисовать несколько кораблей с натуры. Художник продолжал переносить на холст изображения из туристических брошюр, календарей, со старых картин на холст в течение нескольких лет. Особенностью работ Малкольма, отличавшей их от произведений других фотореалистов, было то, что он рисовал не изображение с фотографии, а саму печатную репродукцию, в том числе открытки, иногда даже включая в картину белую рамку вокруг фотографии или логотип компании на странице календаря^[7]. Выбор столь безыскусных прототипов был отчасти обусловлен желанием найти образы поп-культуры, которые другие художники, такие как Уорхол и Лихтенштейн, ещё не использовали: «Я хотел найти иконографию, не запятнанную искусством». Подобный подход обеспечил Морли быстрый успех.

В 1970-е годы произведения Морли стали более экспрессионистскими, кисть небрежной, в качестве творческих методов были освоены коллаж и перформанс, как, например, в работе 1972 года, когда его пригласили в Университет штата Нью-Йорка в Потсдаме написать в присутствии зрителей свой вариант «Афинской школы» Рафаэля. Малкольм рисовал в костюме Пифагора, который был среди персонажей картины. Когда художник понял, что один из рядов нарисован со смещением, то не стал исправлять ошибку. Один из кураторов счёл эту работу примером того, как метод репродукции перестал быть техникой точного копирования и стал «непроверенной возможностью современной живописи и живописного конструирования»^[7].

Работы Морли часто основывались на разнообразных источниках, смешиваемых в творческом процессе. Например, картина «День саранчи» («The Day of the Locust», 1977) получила название по одноимённому роману Натанаэля Уэста. Одна из сцен заимствована из начала книги, а другие взяты из фильмов Льюиса Аллена 1954 года «Неожиданный» и Сергея Эйзенштейна 1925 года «Броненосец Потёмкин»^[6]. На картине изображена обложка телефонной книги Лос-Анджелеса, на которую наложено множество изображений, частично взятых из более ранних работ (круизные лайнеры, самолёты), частично из раскрашенных моделей (картины Морли в поздний период карьеры).

В работах 1980-х годов Морли обратился к новым темам, включая мифологию и античность. Сюда входят «Эгейское преступление» («Aegean Crime», 1987) и «Чёрная радуга над Эдипом в Фивах» (1988), а также картины с минойскими персонажами. Поездка по Соединённым Штатам обогатила коллекцию образов художника индейскими куклами качина и другими культурными мотивами коренных американцев. Коммерческий успех позволил Морли много путешествовать, что давало новые впечатления и источники вдохновения. Он часто позволял себе небрежность в обращении с краской, оставляя на законченной работе капли и брызги. Подобные экспрессионистские проявления и темы, схожие с произведениями Джулиана Шнабеля, Эрика Фишля, Георга Базелица и Ансельма Кифера привели к тому, что кураторы выделили эту группу художников вместе с Морли в неоэкспрессионизм, хотя сам художник не любил это направление. Тем не менее, переход к свободной манере письма сделал его одним из пионеров неоэкспрессионизма^[5].

В 1990-х годах Морли вернулся к ранней теме и снова начал изображать большие морские суда, часто с добавлением самолётов-истребителей, которые клеил из бумаги, раскрашивал акварелью, а затем прикреплял к холсту. Например, на картине «Полёт Икара» («Icarus’s Flight», 1997), самолёт выступает от поверхности холста примерно на 1,3 м. Художник также обратился к чистой скульптуре, создав в этом жанре одну работу — «Port Clyde» (1990), представляющую собой лодку на подоконнике, как воспоминание об утраченной в детстве модели «HMS Nelson».

Современная фотожурналистика стала темой картин 2000-х годов, особое внимание уделялось мотоциклетным и автомобильным гонкам, американскому футболу, лыжам, плаванию и скачкам. Морли также вернулся к морской тематике и «катастрофам», которые изображал на ранних картинах — на этот раз это были автокатастрофы, включая аварию, в которой погиб Дейл Эрнхардт, последствия войны в Афганистане, разрушение здания в Бруклине, а также картины «Регата» («Regatta», 2012) и «YM60» (2014)^[11]. В последнее десятилетие своей жизни он продолжал изображать истребители начала и середины XX века, а также пилотов, которые управляли ими во время Первой и Второй мировых войн, включая легендарного Красного Барона — Манфреда фон Рихтгофена (примером служит картина «Английский лётчик-истребитель (Ас)» / «English Fighter Pilot (Ace)», 2010). Другой темой работ стала английская история XVIII века, в рамках которой появились картины с военными деятелями: герцогом Веллингтоном и Горацио Нельсоном^[12]. В поздний период творчества художник создал серию, посвящённую средневековым рыцарям (картины «Схватка при Азенкуре» («Melee at Agincourt», 2017) и «Святой Георгий, спасающийся от пожара в прерии» («St. George Fleeing a Prairie Meadow Burning», 2018)^[13].

Избранный список ключевых выставок художника:

• 1964 — первая персональная выставка в «Kornblee Gallery» (Нью-Йорк)^[14];
• 1972, 1977 — участие в международных выставках современного искусства Documenta 5 и 6 (Кассель, Германия)^[14];
• 1976 — персональная выставка в «Clocktower Gallery» (Институт искусства и городских ресурсов);
• 1979 — персональные выставки в галерее Нэнси Хоффман и галерее Стефанотти;
• 1983—1984 — крупная ретроспектива «Malcolm Morley: Paintings, 1965-82» в галерее «Уайтчепел» (Лондон) с последующим туром^[14];
• 1985 — участие в выставке современного искусства «Carnegie International»;
• 1991 — выставка акварелей в галерее Тейт-Ливерпуль^[14];
• 1993 — ретроспективная выставка в Центре Жоржа Помпиду (Париж)^[14];
• 1995—1996 — передвижная персональная выставка «Malcolm Morley: 1965-95», организованная фондом «La Caixa» (Мадрид)^[14];
• 2001 — ретроспектива «Malcolm Morley in full colour» в галерее Хейворд (Лондон)^[14];
• 2013—2014 — ретроспектива «Malcolm Morley at the Ashmolean: Paintings and Drawings from the Hall Collection» в Музее Эшмола (Оксфорд)^[15];
• 2019 — посмертная выставка в «Hall Art Foundation» (Рединг, Вермонт)^[15];
• 2022—2023 — посмертная выставка «Malcolm Morley: Shipwreck» в Художественном музее «NSU» (Форт-Лодердейл, Флорида)^[15].

• Cristoforo Colombo, 1966, «Hall Foundation»;
• Family Portrait, 1968, Детройтский институт искусств;
• Coronation and Beach Scene, 1968, Музей и сад скульптур Хиршхорн;
• Vermeer, Portrait of the Artist in His Studio, 1968, «The Broad»;
• Age of Catastrophe, 1976, «The Broad»;
• «День Саранчи», 1977, Музей современного искусства;
• French Legionnaires Being Eaten by a Lion, 1984, Музей современного искусства;
• Kristen and Erin, 1985, «The Broad»;
• «Чёрная радуга над Эдипом в Фивах», 1988, Музей и сад скульптур Хиршхорн;
• Man Overboard, 1994, «Hall Foundation»;
• Mariner, 1998, галерея Тейт;
• Painter’s Floor, 1999, «Albright Knox Art Gallery»;
• Theory of Catastrophe, 2004, «Hall Foundation»;
• Thor, 2008^[16];
• English Fighter Pilot (Ace), 2010;
• Regatta, 2012^[11];
• Medieval Divided Self, 2016, «Hall Foundation»;
• Melee at Agincourt, 2017^[13];
• St. George Fleeing a Prairie Meadow Burning, 2018^[13].

• 1984 — Премия Тёрнера;
• 1992 — премия в области живописи Скоуганской школы живописи и ваяния;
• 2009 — Член Американской академии искусств и наук;
• 2011 — Член Американской академии художеств и литературы;
• 2015 — Премия Фрэнсиса Гринбургера.