Дирижирование

Главный дирижёр оркестра или оперной труппы часто совмещает функции музыкального руководителя и дирижёра; в Германии ранее использовался термин капельмейстер, ныне — Chefdirigent. Хормейстеры или руководители хоров иногда работают совместно с оркестром. Руководители духовых, военных оркестров, фанфарных и других коллективов могут носить титулы дирижёра, руководителя духового оркестра или тамбур-мажора. Известных дирижёров иногда называют итальянским словом маэстро («мастер»), подчёркивая уважение к их мастерству.

Одной из первых форм дирижирования была хирономия — использование жестов рук для указания мелодического движения, практиковавшаяся, по меньшей мере, с Средневековья. В христианской церкви человек, подающий такие сигналы, держал длинную трость, обозначавшую его роль; по мере усложнения ритмики музыки трость или дирижёрская палка всё чаще использовалась для обозначения ритма движением вверх и вниз.

В XVII веке для отсчёта времени применялись руки и подручные средства: свёрнутые листы бумаги, небольшие палочки. Длинная и тяжёлая трость стала причиной смерти Жана-Батиста Люлли, который поранил себе ногу во время дирижирования Te Deum в честь выздоровления короля. Рана загноилась, Люлли отказался от ампутации, и через два месяца скончался от гангрены^[1].

В инструментальной музыке на протяжении XVIII века один из участников ансамбля обычно исполнял роль дирижёра. Это мог быть концертмейстер (первый скрипач), использовавший смычок как палочку, или лютнист, который ритмично двигал грифом инструмента. Часто дирижировал клавесинист, исполняя генерал-бас. В оперных постановках иногда было два руководителя: клавесинист, отвечавший за певцов, и первый скрипач или дирижёр, руководивший оркестром.

В начале XIX века становится нормой наличие отдельного дирижёра, не играющего на инструменте во время исполнения. По мере увеличения состава оркестра всё чаще используется дирижёрская палочка, которая заметнее для музыкантов, чем руки или свёрнутый лист бумаги. Среди первых известных дирижёров — Людвиг Шпор, Карл Мария фон Вебер, Луи-Антуан Жюльен и Феликс Мендельсон, все они были также композиторами. Мендельсон считается первым, кто использовал деревянную палочку для отсчёта темпа — практика, сохранившаяся до наших дней. Однако некоторые выдающиеся дирижёры, такие как Курт Мазур, Джеймс Конлон, Юрий Темирканов, Пьер Булез, Василий Сафонов, Юджин Орманди (в определённый период) и Димитрис Митропулос, не использовали палочку или делали это не всегда^[2].

Композиторы Гектор Берлиоз и Рихард Вагнер достигли статуса выдающихся дирижёров и написали первые трактаты по дирижированию. Берлиоз считается первым дирижёром-виртуозом. Вагнер во многом сформировал современное понимание роли дирижёра как интерпретатора, а не только координатора темпа и вступлений. Среди предшественников, сосредоточенных исключительно на дирижировании, выделяется Франсуа-Анатоль Абанек, основавший в 1828 году Оркестр Консерватории Парижа, хотя Берлиоз впоследствии критиковал его за недостаточную строгость на репетициях. Ференц Лист также внёс значительный вклад в развитие дирижёрского искусства.

Знаковой фигурой эпохи Вагнера был Ганс фон Бюлов (1830—1894), прославившийся как дирижёр, хотя и оставался выдающимся пианистом — одним из любимых учеников Листа, женатым на Козиме Вагнер, которая впоследствии ушла к Вагнеру.

Бюлов поднял технический уровень дирижирования на новую высоту, внедрив отдельные и детальные репетиции секций оркестра. На постах в Баварской государственной опере, Мейнингенском оркестре и Берлинском филармоническом оркестре он добился высокой нюансировки и выразительности исполнения. Его методы оказали влияние на молодых музыкантов, таких как Рихард Штраус (его ассистент) и Феликс Вайнгартнер. Густав Малер также был известен как дирижёр.

Следующее поколение дирижёров подняло технические стандарты ещё выше; возможно, самой значимой фигурой был венгерский дирижёр Артур Никиш (1855—1922), который в 1895 году сменил Бюлова на посту музыкального руководителя Берлинского филармонического оркестра, ранее возглавлял Лейпцигскую оперу, Бостонский симфонический оркестр и Лейпцигский Гевандхаус-оркестр, а также Лондонский симфонический оркестр. Никиш был первым, кто осуществил полную запись симфонии — Пятой симфонии Бетховена с Берлинским филармоническим оркестром (1913, Deutsche Grammophon), а также первым дирижёром, снятым на киноплёнку (1913). Его техника, в частности выразительный зрительный контакт, оказала влияние на таких дирижёров, как Фриц Райнер.

Поколение после Никиша оставило множество записей. Два особенно влиятельных и широко записывавшихся дирижёра часто противопоставляются друг другу: итальянец Артуро Тосканини (1867—1957) и немец Вильгельм Фуртвенглер (1886—1954). Тосканини, начавший как виолончелист под управлением Джузеппе Верди, дебютировал как дирижёр в Аида в 1886 году, заменив заболевшего коллегу. Его считают одним из величайших интерпретаторов Верди, а также немецких симфонистов — Бетховена и Брамса, отличаясь строгими и быстрыми темпами, но при этом гибкой фразировкой и умением добиваться cantabile-звучания.

Фуртвенглер, которого многие считают величайшим интерпретатором Вагнера и Брукнера, дирижировал Бетховеном и Брамсом с многочисленными изменениями темпа, подчёркивая структуру и смысл музыки. Он был композитором, пианистом и учеником Генриха Шенкера, уделяя особое внимание гармоническим напряжениям и разрешениям. Фуртвенглер также мастерски работал с деталями произведений.

Техники Тосканини и Фуртвенглера были весьма различны: Тосканини использовал длинную палочку и чёткие взмахи, часто без помощи левой руки; Фуртвенглер дирижировал менее явно, стремясь к более округлому звуку. Их пример иллюстрирует отсутствие стандартизации дирижёрской техники в первой половине XX века. Крупнейшие дирижёры середины XX века — Леопольд Стоковский, Отто Клемперер, Герберт фон Караян, Леонард Бернстайн — имели очень разные стили.

Караян и Бернстайн также противопоставлялись друг другу в 1960—1980-х годах: Караян как музыкальный руководитель Берлинского филармонического оркестра (1955—1989), Бернстайн — как руководитель Нью-Йоркского филармонического оркестра (1957—1969) и приглашённый дирижёр в Европе. Караян отличался контролируемой техникой, часто дирижировал с закрытыми глазами; Бернстайн был экспрессивен, активно использовал мимику, жесты и движения всего тела. Караян мог стоять неподвижно часами, Бернстайн иногда подпрыгивал в кульминационных моментах. Караян стремился к тёплому, красивому звучанию, иногда критикуемому за излишнюю однородность; Бернстайн, напротив, в исполнении Девятой симфонии Малера с Берлинским филармоническим оркестром в 1979 году добивался «грубого» звука, соответствующего, по его мнению, выразительности музыки.

Караян и Бернстайн активно использовали медиа для популяризации своего искусства, но по-разному: Бернстайн создавал телепередачи о классической музыке для широкой аудитории, Караян снимал фильмы, но не выступал в них с речью. Оба много записывались, но Караян регулярно перезаписывал свои студийные альбомы, используя новейшие технологии, а Бернстайн предпочитал живые записи с публикой.

В последней трети XX века техника дирижирования, особенно работа правой руки и палочкой, всё больше стандартизировалась. Дирижёры, такие как Виллем Менгельберг (Амстердам), имели много времени на репетиции и могли позволить себе индивидуальные техники; современные дирижёры, часто работающие с разными коллективами, вынуждены добиваться результата за короткое время, что требует более универсальной техники. Тем не менее, жесты левой руки, мимика и язык тела по-прежнему индивидуальны.

Женщины-дирижёры были практически неизвестны в XIX—XX веках (например, Этель Легинска), однако в настоящее время такие музыканты, как Марин Алсоп и Симона Янг, преодолели гендерные барьеры. В 2007 году Алсоп стала музыкальным руководителем Балтиморского симфонического оркестра — первой женщиной во главе крупного оркестра США, а в 2012 году — Симфонического оркестра штата Сан-Паулу. Она также первой среди женщин дирижировала заключительным концертом Proms. Янг стала первой женщиной — руководителем Гамбургской оперы и филармонии (2005), а также первой женщиной, записавшей Кольцо нибелунга Вагнера.

Хотя Мексика дала миру нескольких известных дирижёров, Алонда де ла Парра стала первой мексиканкой, добившейся международного признания в этой профессии. Дирижёры азиатского происхождения также стали многочисленны благодаря успехам таких музыкантов, как Сэйдзи Озава (музыкальный руководитель Бостонского симфонического оркестра в 1973—2002 годах) и Мён-Хун Чон, возглавлявший ведущие коллективы в Германии и Франции, а ныне — Сеульский филармонический оркестр. Представители этнических меньшинств по-прежнему недостаточно представлены среди дирижёров, хотя есть заметные исключения: Генри Льюис, Дин Диксон, Джеймс ДеПрест, Пол Фриман, Майкл Морган и др.

Дирижирование — искусство передачи художественных замыслов исполнителям во время исполнения. Существуют как формальные правила дирижирования, так и субъективные аспекты, зависящие от школы и индивидуального стиля дирижёра. Основные обязанности дирижёра: объединять музыкантов, устанавливать темп, обеспечивать точность вступлений и ритма, критически слушать, формировать звучание коллектива, контролировать интерпретацию и темп. Во время концерта коммуникация происходит невербально, но на репетициях^[3] дирижёр часто останавливает исполнение для указаний по фразировке^[4], тембру и другим деталям. В любительских оркестрах репетиции часто прерываются для исправления технических ошибок, чтения или транспонирования.

Дирижёр должен разбираться в элементах музыкального выражения (темп, динамика, артикуляция) и уметь эффективно их передавать коллективу. Важно также умение выражать нюансы фразировки и экспрессии жестами. Жесты дирижёра обычно продумываются заранее при изучении партитуры, но могут быть и спонтанными.

Иногда различают дирижирование оркестром и хором. Как правило, оркестровые дирижёры используют палочку чаще, чем хормейстеры. Способы держать палочку различаются.

В начале произведения дирижёр поднимает руки (или одну руку, если использует только её), сигнализируя о скором начале. Это знак для музыкантов или хористов быть готовыми. Дирижёр смотрит на разные группы оркестра или хора, чтобы убедиться, что все готовы. В некоторых хоровых произведениях дирижёр может попросить пианиста или органиста сыграть ноту или аккорд для определения начальных нот. Затем дирижёр даёт один или несколько подготовительных взмахов, задавая размер. Темп обычно задаётся правой рукой (с палочкой или без неё), которая описывает в воздухе схему, соответствующую размеру, отмечая каждый долю движением вниз или вверх^[5]. На иллюстрациях показаны наиболее распространённые схемы дирижирования с точки зрения дирижёра.

Сильная доля (взмах вниз) обозначает первый такт; подъём — подготовительный взмах перед началом и последний такт. Момент, когда происходит взмах, называется иктус (лат. ictus, мн. ч. ictūs или ictuses). Обычно он обозначается резким движением кисти или сменой направления палочки. Иногда иктус понимается как горизонтальная плоскость, в которой все удары совпадают физически, например, на вершине пюпитра, куда палочка слегка постукивает. Движение, предшествующее иктусу, называется «подготовкой», а непрерывная последовательность взмахов — takt (нем. — такт, размер, дирижёрская схема).

Если темп медленный или происходит замедление, либо при сложном размере, дирижёр может показывать «дробление» долей — дополнительные мелкие движения в том же направлении, что и основная доля.

Изменения темпа передаются изменением скорости дирижёрской схемы. Для контроля ритардандо дирижёр может вводить дробление долей.

Хотя некоторые дирижёры используют обе руки для отсчёта, формальное обучение не поощряет это: левая рука обычно используется для вступлений, динамики, фразировки, экспрессии и других элементов.

Во время инструментального соло (или вокального соло в опере) дирижёр может перестать отсчитывать все доли и просто давать один взмах на такт, чтобы помочь исполнителям считать паузы.

В профессиональных оркестрах часто наблюдается расхождение между «учебным» определением момента иктуса и реальной практикой: при акцентированных аккордах музыканты могут играть чуть позже взмаха палочки.

Динамика передаётся разными способами. Громкость может обозначаться амплитудой движений: большие жесты — более громкое звучание. Изменения динамики часто показываются левой рукой: движение вверх (ладонь вверх) — крещендо, вниз (ладонь вниз) — диминуэндо. Изменение амплитуды движений часто связано с изменением характера музыки.

Динамика может уточняться дополнительными жестами: показ ладони исполнителям, отклонение корпуса назад — сигнал к уменьшению громкости или снятию напряжения. Для балансировки звучания отдельных групп эти сигналы могут комбинироваться и адресоваться конкретным секциям.

Вступление (репер) — сигнал, когда исполнитель или группа должны начать играть (например, после долгой паузы или tacet). Вступление должно точно предвосхищать момент иктуса, чтобы все музыканты могли начать одновременно. Особенно важно это для тех, кто долго не играл. Вступления также важны при педальных нотах у струнных, чтобы указать момент смены ноты. Вступление осуществляется зрительным контактом и чётким подготовительным жестом, часто направленным к исполнителям^[3]. Вдох, иногда даже слышимый, — распространённый элемент техники вступления. Иногда достаточно взгляда в сторону исполнителей, если вступают сразу несколько групп. В особо значимых моментах используются более выразительные вступления для усиления эмоционального эффекта.

Артикуляция может передаваться характером иктуса: короткий и резкий взмах — стаккато, длинный и плавный — легато. Многие дирижёры меняют напряжение рук: жёсткие, напряжённые движения — маркато, расслабленные и мягкие — легато или эспрессиво. Сомкнутые большой и указательный пальцы требуют особой точности. Фразировка может обозначаться дугообразным движением или жестом вперёд/в стороны. Длительная нота часто показывается раскрытой ладонью вверх. Окончание ноты («снятие» или «отпускание») обозначается круговым движением или сжатием ладони. Обычно снятие предваряется подготовкой и завершается полной неподвижностью.

Дирижёр стремится поддерживать зрительный контакт с коллективом, поощряет ответный взгляд и диалог между собой и исполнителями. Мимика также важна для передачи характера музыки и поддержки музыкантов.

В случаях недостаточной подготовки дирижёр может незаметно показать схему пальцами у груди (только для исполнителей). Например, при размере 4/4, если дирижёр хочет дирижировать «на два», он показывает два пальца.

Между частями симфонии, концерта или сюиты обычно делается короткая пауза для перелистывания нот, подготовки к следующей части, нанесения канифоли на смычок, смены трости у духовых, удаления конденсата у медных. Иногда музыканты используют паузу для смены инструмента (например, с трубы на корнет, с кларнета на кларнет ми-бемоль). Если дирижёр хочет соединить части без паузы, это называется attacca; дирижёр сообщает об этом музыкантам, чтобы они были готовы к немедленному началу следующей части.

Роль дирижёра сильно зависит от типа коллектива. В некоторых случаях дирижёр также является музыкальным руководителем симфонического оркестра, определяя программу сезона, включая концерты приглашённых дирижёров и солистов. Главный дирижёр может участвовать в прослушиваниях новых музыкантов, чтобы убедиться, что они соответствуют стилю и уровню коллектива.

Главный дирижёр выбирает на сезон одного или нескольких ассистентов, которые проводят репетиции и готовят концерты. Многие известные дирижёры начинали карьеру, заменяя заболевших коллег.

Приглашённый дирижёр может не участвовать в первых репетициях, а только проводить один-два концерта.

Некоторые хормейстеры приглашаются для подготовки хора за несколько недель до концерта, который затем дирижирует другой маэстро. Хормейстер обычно отмечается за подготовку программы.

Дирижёр может играть важную роль в связях с общественностью, давая интервью, появляясь на телевидении для продвижения сезона или конкретного концерта. Лишь немногие дирижёры становятся медийными знаменитостями (например, Леонард Бернстайн), большинство известны только в профессиональной среде.

К 2014 году дирижёры обычно имеют степень магистра по музыке и хоровому дирижированию, а американские дирижёры — степень бакалавра музыки^[6]. Бакалавриат (B. Mus. или B. M.) длится четыре года. Программа включает уроки дирижирования, практику с любительским оркестром, курсы по истории музыки, теории музыки и другим гуманитарным дисциплинам. Обычно студенты не специализируются на дирижировании в бакалавриате, а развивают общие музыкальные навыки: пение, игра на оркестровом инструменте, участие в оркестре, хоре, игра на клавишных (рояль, орган). Дирижёр должен уметь репетировать и руководить хором, оркестром и смешанными коллективами, знать основные языки хоровой литературы (французский, итальянский, латинский) и правильную дикцию. Аналогично, хормейстер должен уметь работать с оркестром.

Магистратура по музыке (M. Mus.) в области дирижирования включает индивидуальные занятия, работу с ансамблем, курсы по истории и теории музыки, а также один-два публичных выступления. Степень магистра — минимальное требование для преподавания дирижирования.

Докторантура по музыкальному искусству (D. M. A., DMA, D. Mus.A. или A. Mus.D) — высшая степень для углублённых художественных и педагогических исследований. Поступление очень конкурентное, требуется сдача экзаменов по истории, теории, слуху, диктанту, а также вступительный экзамен и прослушивание. Студенты проводят ряд концертов и пишут диссертацию. Докторантура даёт право преподавать в вузах и консерваториях. Помимо академического образования, многие дирижёры начинают с работы с любительскими оркестрами, молодёжными коллективами и т. д.

Некоторые дирижёры становятся профессионалами без формального образования, добившись известности как инструменталисты или певцы, либо обучаясь на практике, работая с любительскими, школьными оркестрами или хорами.

Средняя зарплата дирижёров в США в 2014 году составляла 48 180 долларов, с прогнозируемым ростом 3 % за десятилетие (2014—2024), что ниже среднего уровня^[6].

Во Франции существуют две дирижёрские специализации в Парижской национальной консерватории музыки и танца: двухлетний вводный курс и двух- или трёхлетний высший курс^[7]. Также есть дирижёрские классы в региональных консерваториях (CRR) — Бордо, Тулуза, По, Ницца, Париж, Руан, Дижон и др.

Большинство профессиональных дирижёров — мужчины; The Guardian называет дирижирование «одним из последних стеклянных потолков в музыкальной индустрии»^[8]. В 2014 году Bachtrack сообщил, что из 150 крупнейших дирижёров мира только пять были женщинами^[9]. Лишь немногие женщины достигли международного признания как дирижёры. В январе 2005 года австралийка Симона Янг стала первой женщиной, дирижировавшей Венским филармоническим оркестром. В 2008 году Марин Алсоп, ученица Леонарда Бернстайна, стала первой женщиной — музыкальным руководителем и главным дирижёром одного из ведущих оркестров США (Балтиморский симфонический оркестр). Её назначение сопровождалось протестами части оркестра, но впоследствии она получила признание. В 2014 году Алсоп стала первой женщиной, дирижировавшей заключительным концертом Last Night of the Proms — одним из важнейших событий классической музыки Великобритании за 118 лет истории.

По мнению редактора Radio 3 Эдвины Вольстенкрофт, «мир музыки давно рад женским исполнительницам… Но обладание публичной властью — другое дело, и дирижёры-женщины сталкиваются с трудностями. Общество менее терпимо к женщинам во власти, чем к женщинам в шоу-бизнесе».

По данным 2009 и 2012 годов, почти половина выпускников докторских программ по дирижированию были женщины^[8].

Среди известных женщин-дирижёров — пионеры (по дате рождения): Эльфрида Андре, Эмма Штайнер, Элизабет Кёйпер, Эуджения Калоссо, Лина Коэн, Этель Легинска, Надя Буланже, Маргерит Канал, Фрида Керн, Жанна Эврар, Антония Брико, Фредерика Петридес, Этель Старк, Витезслава Капраловá, Вероника Дударова, Сара Калдуэлл, Чжэн Сяоюин, Ив Куэлер, Маргарет Розариан Харрис, Хортенс фон Гельмини, Одалин де ла Мартинес, Жизель Бен-Дор, Марин Алсоп, Амина Срарфи, Симона Янг, а также (по алфавиту): Жоана Карнейру, Сиан Эдвардс, Лоранс Эквильбе, Джоан Фаллетта, Джейн Гловер, Мирга Гражините-Тыла, Эммануэль Аим, Барбара Ханниган, Наталия Луис-Басса, Сусанна Мялькки, Алонда де ла Парра, Сперанца Скапуччи, Натали Штутцман, Беатриче Венези и др.

Первые дирижёры классической западной музыки были европейцами. По мере распространения этой музыки в XIX—XX веках по всему миру происходила этническая диверсификация исполнителей. Представители меньшинств долго сталкивались с дискриминацией и расизмом.

Среди африканских, карибских и афроамериканских дирижёров можно выделить:

• Самуэль Колридж-Тейлор (1875—1912) — сын сьерра-леонца и англичанки, учился в Королевском музыкальном колледже в Лондоне, дирижировал оркестром консерватории Кройдона, London Handel Society и Борнмутским симфоническим оркестром. Столкнулся с трудностями из-за цвета кожи, но был признан в США, где дирижировал своими произведениями и был принят президентом Теодором Рузвельтом. Его дочь Аврил Колридж-Тейлор (1903—1998) стала пианисткой и дирижёром в Англии, но столкнулась с расовой сегрегацией: в ЮАР ей запретили выступать из-за происхождения.
• Рудольф Данбар (1907—1988) — уроженец Британской Гвианы, учился в Джульярдской школе, в Париже у Филиппа Гобера и в Вене у Феликса Вайнгартнера. Первый чернокожий дирижёр Лондонского филармонического оркестра (1942), Берлинского филармонического оркестра (1945), а также оркестров в Польше (1959) и СССР (1964).
• Дин Диксон (1915—1976) — учился в Джульярдской школе и Колумбийском университете. В 1931 году, столкнувшись с расовыми предрассудками, создал собственный оркестр и хоровое общество. В 1941 году дирижировал NBC Symphony Orchestra и Нью-Йоркским филармоническим оркестром, а также приглашался в Филадельфийский оркестр и Бостонский симфонический оркестр.
• Генри Льюис (1932—1996) — учился в Университете Южной Калифорнии, в 16 лет стал первым чернокожим музыкантом Лос-Анджелесского филармонического оркестра. Основал Лос-Анджелесский камерный оркестр, был ассистентом Зубина Мехты, дебютировал в Метрополитен-опера в 1972 году. Был женат на певице Мэрилин Хорн.
• Джеймс ДеПрест (1936—2013) — племянник певицы Мариан Андерсон, один из первых афроамериканских дирижёров с международной карьерой. Учился у Винсента Персикетти в Филадельфии, был ассистентом Леонарда Бернстайна в Нью-Йоркском филармоническом оркестре, преподавал в Джульярдской школе, возглавлял оркестры в Квебеке, Орегоне, Мальмё, Монте-Карло и Токио.
• Пол Фриман (1936—2015) — дирижёр, композитор, основатель Синфониетты Чикаго, учился в Истменовской школе музыки, стажировался в Берлине, работал с Шарлем Бруком в США. Был музыкальным руководителем Оперы Рочестера, ассоциированным дирижёром Далласского симфонического оркестра и Детройтского симфонического оркестра, главным дирижёром Чешского национального симфонического оркестра (1996—2007).
• Маргарет Розариан Харрис (1943—2000) — пианистка, дирижёр и композитор, училась в Кёртис-Институте и Джульярдской школе, первая афроамериканка, дирижировавшая оркестрами Лос-Анджелеса, Чикаго, Детройта, Сент-Луиса, Миннесоты и др.
• Марша Мейбри (род. 1949) — училась в Мичиганском университете, совершенствовалась в Консерватории Цинциннати, первая женщина и афроамериканка — музыкальный руководитель Сиэтлского филармонического оркестра (1996—2002).
• Майкл Морган (1957—2021) — учился в Оберлинской консерватории, стажировался в Тэнглвуде у Гюнтера Шуллера и Сэйдзи Озавы, работал с Леонардом Бернстайном. Победитель конкурса Ханса Сваровски (1980), ассистент Сент-Луисского симфонического оркестра, работал с Георгом Солти и Даниэлем Баренбоймом в Чикагском симфоническом оркестре, музыкальный руководитель Оклендского симфонического оркестра, Сакраменто филармоник и художественный руководитель Festival Opera (Уолнат-Крик, Калифорния).
• Кваме Райан (род. 1970) — учился в Кембридже, у Петера Этвёша, возглавлял оперу Фрайбурга (1999), Национальный оркестр Бордо Аквитания (2007—2013), Французский молодёжный оркестр (2009), ведёт международную карьеру.
• Джери Линн Джонсон (род. 1972) — была ассистентом камерного оркестра Филадельфии (2001—2004), основала Black Pearl Chamber Orchestra в Филадельфии, ставшую примером сочетания художественного мастерства, культурного разнообразия и социальной миссии.