Овердаббинг

Первый известный пример повторной записи относится к 1932 году: Натан Шилкрет записал оркестр Victor и наложил на него голос тенора Энрико Карузо, умершего в 1921 году, чьи записи уже существовали. Эта техника уже была опробована в 1927 году Розарио Бурдон с тем же певцом, но результат не был признан достойным коммерческого выпуска. В данном случае повторная запись позволила «сыграть» оркестру с уже ушедшим певцом^[1].

Техника овердаббинга затем стала использоваться в джазе. Сидни Беше 18 апреля 1941 года записал у своего друга Джона Рида (RCA) сессии с применением повторной записи — впервые в истории джаза. Он поочерёдно исполнил шесть инструментов: контрабас, барабаны, рояль, кларнет, сопрано-саксофон и тенор-саксофон, записав обе стороны пластинки с композициями The Sheik of Araby и Blues of Bechet^[2][3]. В то время магнитная лента ещё не использовалась, и инструменты записывались на ацетатный диск; звук первого инструмента воспроизводился в студии, пока Беше играл на втором инструменте, который записывался на другой диск, и так далее^[1].

С появлением первых ленточных магнитофонов техника заключалась в том, чтобы сначала записать инструменты на одну дорожку, затем одновременно с ними записать вокал, а затем скопировать всё на второй магнитофон с лентой шириной 1/4 дюйма. Недостатком аналогового метода с копированием было появление нежелательных искажений.

Ampex изобрёл трёхдорожечный, а затем четырёхдорожечный магнитофон с лентой 1/2 дюйма, что позволило делать овердаббинг вокалиста без необходимости копирования и дало возможность звукорежиссёру сосредоточиться на сведении. Первые Ampex с тремя и четырьмя дорожками были завезены во Францию в начале 1960-х годов в студии Europa Sonor'.

Развитие аналоговой многодорожечной записи с середины 1960-х годов до появления цифровых технологий значительно расширило возможности повторной записи. Это радикально изменило методы записи и сведения.

В 1960-х годах появление 4-, затем 8-дорожечных магнитофонов, а в 1970-х — 16-, 24- и 48-дорожечных, позволило раздельную и поэтапную запись каждой секции оркестра (ритм-секция, затем овердаббинг духовых, затем струнных, затем вокала и т. д.), что придало этапу сведения новое значение. Сведение стало этапом творческой обработки звука.

Технический прогресс микшерных консолей позволил увеличить число дорожек: 24, 32 аналоговые дорожки, а затем и больше (до 96 дорожек на некоторых консолях).

Первые цифровые магнитофоны появились в 1980-х годах: Sony 3324 позволял записывать 24 дорожки, затем появились другие многодорожечные цифровые рекордеры — 32 и 48 дорожек, а системы синхронизации позволили записывать на несколько машин одновременно, например, 2×48 дорожек.

Появление цифровых аудиостанций (DAW, от англ. digital audio workstation) с нелинейной записью ещё больше увеличило количество доступных дорожек и упростило поочерёдную запись различных инструментов: каждая дорожка может быть записана отдельно, а исполнители могут слушать уже записанные дорожки во время записи новых^[4].

В кинематографе часто используют несколько DAW для воспроизведения и записи при сведении. Если у микшерного пульта недостаточно входов, обычно делают предварительное сведение внутри этих станций.

В цифровой среде при записи музыкального произведения в студии (или домашней студии) инструменты записываются с помощью микрофонов или напрямую через ди-боксы (особенно для клавишных и электронных инструментов). Сигнал может проходить через различные аппаратные процессоры (предусилители, компрессоры, эквалайзеры и др.), затем поступает на аудиоинтерфейс, который обычно подключён к компьютеру с установленной DAW, где отображаются все аудиодорожки.

После записи первого инструмента на дорожку 1, второй инструмент можно записать на дорожку 2, прослушивая при этом первую дорожку. Овердаббинг требует возможности прослушивания уже записанных дорожек, чтобы исполнитель мог синхронизироваться с музыкой при записи новой партии^[4]. Для этого обычно используют наушники (а не мониторы), чтобы звук уже записанных дорожек не попадал в микрофон при новой записи^[4]. Также необходимо, чтобы все инструменты были записаны в одном темпе, поэтому часто используется метроном, который задаёт темп всем музыкантам^[5].

В рок- и поп-музыке запись «вживую» (все инструменты одновременно) постепенно была вытеснена поэтапной записью: обычно начинают с ритм-секции (например, бас-гитара — барабаны — гитара и, возможно, черновой вокал), затем постепенно добавляют другие инструменты или группы инструментов (клавишные, струнные, духовые, бэк-вокал, перкуссия и др.), слой за слоем, завершая записью (или перезаписью) финального вокала.

(англ. double tracking) — особый вид повторной записи, при котором одна и та же инструментальная или вокальная партия записывается дважды для создания более насыщенного стереозвучания[6].

Овердаббинг позволяет одному музыканту записать несколько инструментов или несколько партий одного и того же инструмента (например, ритм-гитара и гитарное соло поверх, или вокальные гармонии, исполненные одним человеком)^[4]. Некоторые мультиинструменталисты могут таким образом создавать целые произведения, записывая каждый инструмент поочерёдно.

Ещё одно преимущество повторной записи — большая чистота звука и отсутствие перекрёстных наводок от других инструментов. Например, раздельная запись барабанов и электрогитары предотвращает попадание звука гитарного усилителя в микрофоны барабанов, что неизбежно при одновременной записи в одной комнате^[5].

Овердаббинг также позволяет компенсировать ограничения многодорожечной записи, такие как недостаток входов на аудиоинтерфейсе или ограниченное количество микрофонов^[4]. Один и тот же микрофон может быть использован для записи акустической гитары, затем вокала, затем перкуссии.

Таким образом, можно записать целую композицию даже с аудиоинтерфейсом, имеющим всего несколько входов. Например, именно так Bon Iver в 2008 году (интерфейс, две гитары и один микрофон Shure SM57) записал весь альбом For Emma, Forever Ago^[7], а Билли Айлиш и её брат Финнеас О’Коннелл для альбома When We All Fall Asleep, Where Do We Go? (2019) использовали минимум оборудования, записываясь в спальне^[8]. Алан Крюгер отмечает, что в XXI веке

^[9]. Эти технологические изменения радикально изменили экономическую модель музыкальной индустрии, значительно снизив барьеры для самостоятельного производства, распространения и коммерциализации музыки^[9].

• Гарри Луковски записал несколько дорожек скрипки и альта для альбома Miracle in Strings с помощью нескольких однодорожечных магнитофонов Ampex в 1954 году^[1]. Он повторил этот приём в 1959 году для альбома Stringsville^[1].
• Билл Эванс наложил три партии фортепиано в каждом треке своего сольного альбома Conversations with Myself (1963), а затем повторил этот приём в альбомах Further Conversations with Myself (1967) и New Conversations (1978).
• Майлз Дэвис использовал эту технику на альбоме Tutu (1986), в частности для своих трубных соло в композициях Portia и Tomaas.
• Мишель Порталь и Марсьяль Солаль применили овердаббинг в пьесе Duo à 3 Voix на альбоме Fast Mood (1999)^[10].

• The Beach Boys удваивали свои вокальные гармонии, создавая у слушателя впечатление, что участников группы вдвое больше, чем на самом деле.
• Jethro Tull на альбоме Stand Up (1969): Иэн Андерсон исполнил две партии флейты одновременно в композиции Bourrée. Однако на двух других треках альбома, где слышны две флейты, это не овердаббинг: первую партию исполняет Иэн Андерсон, вторую — гитарист Мартин Барре.
• Led Zeppelin. Джимми Пейдж, как продюсер первого альбома Led Zeppelin I (1969), наложил несколько гитарных партий, а также вокал Роберта Планта.
• Пол Маккартни сыграл на всех инструментах при записи своего первого сольного альбома (1970) после The Beatles.
• Майк Олдфилд, который модифицировал магнитофон для наложения всех инструментов, на которых он играет, при записи Tubular Bells (1973).
• Queen. Почти все их песни содержат вокальные гармонии (кроме Spread Your Wings), что, как и у The Beach Boys, создавало иллюзию хора. Гитарист Брайан Мэй также перезаписывал некоторые гитарные партии.

• Альдо Чикколини в своей первой полной записи фортепианных произведений Эрика Сати для EMI записал пьесы для фортепиано в четыре руки с помощью повторной записи^[11].
• Фазыл Сай для записи версии Весны священной Игоря Стравинского для фортепиано (лейбл Teldec), изначально предназначенной для четырёх рук, использовал овердаббинг для удвоения и даже учетверения своей партии, создавая в некоторых эпизодах эффект фортепиано в шесть или восемь рук^[12].