Ким Хванги

Решив стать художником вопреки воле отца, Ким тайно сел на корабль, направлявшийся в Японию^[3]. В 1933 году, в возрасте 20 лет, он поступил на трёхлетнюю программу факультета искусств Университета Нихон в Токио^[4]. На втором курсе Ким присоединился к Институту авангардной западной живописи (яп. アヴァンギャルド洋画研究所), которым руководили японские художники, знакомившие Японию с кубизмом, футуризмом и сюрреализмом на основе своего опыта работы в Европе. Среди его наставников были Сэйдзи Того и Цугухару Фудзита^[5]. В 1935 году Ким получил награду за свою первую работу «Когда поют жаворонки», представленную на престижной выставке Ассоциации второй секции (яп. 二科会), что стало его дебютом. На картине изображена женщина в ханбоке, чьё тело передано геометрическими, упрощёнными формами. Корзина на её голове изображена «прозрачной», показывая содержимое под невозможным углом, что свидетельствует об отходе Кима от реализма к абстракции^[6]. Его эксперименты с включением корейских мотивов в виде упрощённых форм на плоской картинной плоскости продолжились в работах «Дом» (1936) и «Терраса с кувшинами для соуса» (1936). Элементы традиционных корейских домов, такие как деревянные ворота, бумажные двери-ширмы, каменные стены, лестницы и керамика, придавали его картинам чувство порядка и ритма, иллюстрируя его движение к чистой абстракции^[5].

В это время Ким участвовал в деятельности различных японских художественных объединений, таких как Общество Хакудзицу (яп. 白日会), Общество Кофу (яп. 光風會), Ассоциация свободных художников (яп. 自由美術家協会), Общество девятой комнаты (яп. 九室會) и Общество Хакубан (яп. 白蛮会)^[4]. Общество Хакубан было основано в 1936 году после закрытия Института авангардной западной живописи пятью его членами, включая Кима и Киль Джин Сопа^[7]. Его первая персональная выставка состоялась в галерее Амаги в Токио в январе 1937 года, за несколько месяцев до возвращения в Корею. Даже после отъезда из Токио Ким продолжал отправлять работы в Ассоциацию свободных художников в Японии до 1941 года, включая картину «Рондо» (1938). Как один из самых ранних примеров абстрактного искусства в современной Корее, в 2013 году правительство страны признало эту картину Зарегистрированным культурным достоянием (№ 535)^[6].

Перед возвращением в Корею в 1937 году он остался в Японии ещё на год в качестве ассистента. Время, проведённое в Токио, укрепило его идентичность как художника-абстракциониста. В студенческие годы он увлёкся творчеством Анри Матисса и Пабло Пикассо^[8]. Его работы 1937 и 1938 годов, такие как «Рондо», «Ария» и «Белая чайка», демонстрируют явный поворот к абстракции с композициями из чистых геометрических форм, состоящих из повторяющихся ритмичных круглых и продолговатых фигур с пересекающимися или перекрывающимися квадратами^[9].

Ранние эксперименты Ким Хванги с геометрической абстракцией черпали вдохновение в кубизме. Его первой работой, получившей известность, стала картина «Когда поют жаворонки» (1935), на которой изображена женщина с корзиной на голове. Здание на заднем плане играет светом и тенями и является одной из многих геометрических фигур, создающих глубину картины. Ким Хванги противопоставляет реалистичное изображение традиционной корейской женщины неоднозначному фону, который размывает точное место действия. Также отсутствует детализация тела и лица женщины. Произведение отражает восприятие Ким Хванги колониальной Кореи под властью Японии, в которой Ким как кореец был относительно дистанцирован от общества и имел иные взгляды, чем корейские художники, непосредственно затронутые войной.

Вернувшись после учёбы в Токио, Ким продолжал общаться с членами корейских литературных кругов, проявляя всё больший интерес к традиционному корейскому искусству. К 1940 году выставка Ассоциации свободных художников была переименована в Ассоциацию творческих художников из-за растущей военной напряжённости, не способствовавшей новым идеям. Ассоциация творческих художников открыла филиал в Корее и провела свою первую выставку в Сеуле, где Ким, другие корейские художники, а также ряд японских авторов представили свои работы^[9]. Ким представил шесть работ: «Островная сказка», «Натюрморт», «Пейзаж 1», «Пейзаж 2», «Пейзаж в Атами» и «Камерная музыка», прежде чем покинул Ассоциацию в 1941 году^[9].

В 1944 году Ким, разведённый со своей первой женой, женился на Пён Дон Рим (1916—2004), талантливой писательнице и вдове поэта Ли Сана. Вопреки возражениям семей, Пён взяла творческий псевдоним Кима — Хян Ан — и жила под ним до своей смерти. Ким изменил свой псевдоним на Су Хва.

Корея была освобождена от японского господства в 1945 году и создала независимое правительство к 1948 году. В том же году Ким вместе с художниками Ю Ён Гуком и Ли Гю Саном создал Группу нового реализма (кор. 신사실파). Её основной идеей было стремление к новым типам реалистической живописи и вклад в восприятие «нового формирования реальности», которое могло бы существовать вне прямого влияния Японии, а также идеологической борьбы правых и левых, доминировавшей в период холодной войны в Корее^[5]. Балансируя между фигуративным и нефигуративным искусством, группа с тех пор считается пионером корейского абстрактного искусства и одной из самых влиятельных художественных групп в корейском современном искусстве^[10]. Среди участников были Чан Ук Чин, Пэк Ён Су и Ли Джун Соп^[10].

Для второй выставки Группы нового реализма, состоявшейся в 1949 году, Ким представил картину «Кувшин и цветы» (1949). Эта работа, в которой кусок белого фарфора изображён в виде круглой абстрактной геометрической формы, считается одним из самых ранних примеров в творчестве Кима, где он использует керамику в качестве значимого мотива, за что получил признание критиков^[5]. С момента возвращения на родину из Японии Ким собирал и развивал утончённый вкус к корейским древностям и керамике, особенно к типу белого фарфора, созданного в период Чосон, широко известному как лунные кувшины^[4]. Известно, что ему нравилось выставлять и изучать корейскую керамику у себя дома, изображая те же самые предметы на своих картинах. Как мотив в картинах Кима, корейская керамика использовалась как эстетическое решение для примирения традиции с современностью^[11].

Основываясь на его работах, представленных на выставках неореализма, творчество Кима в период с 1942 по 1950 год демонстрирует вдохновение природой и повседневной жизнью. Его стремление представить чистую композицию и упрощённые объекты очевидно в таких работах, как «Лес»^[9].

Во время Корейской войны южнокорейское правительство переехало в южный портовый город Пусан вместе со многими беженцами. Ким Хванги также бежал из Сеула на юг и провёл три года в лагере для беженцев. Эти годы стали временем страданий для художника — его жена, Ким Хян Ан, вспоминала о его сильном гневе и привычке к алкоголю, хотя он продолжал писать. Среди работ, созданных в это время: «Поезд беженцев» (1951), «Пейзаж в Чинхэ», «Лачуга» и «Кувшины и женщины» (1951)^[9].

Картина маслом «Поезд беженцев» 1951 года — ещё один пример его ранней абстракции, отражающей дистанцированность от Корейской войны. На картине изображена толпа беженцев, втиснутых в вагоны поезда, что создаёт клаустрофобную атмосферу. В то время как некоторые художники выбирали скорбные, более реалистичные изображения этой эпохи в тёмных тонах, Ким Хванги добавил более яркие оттенки красного и синего и простые формы. Наблюдается контраст между напряжённой обстановкой бегущих от войны корейцев и карикатурным изображением беженцев. Эта картина также отражала время, когда абстрактное американское искусство продвигалось Информационным агентством США (USIS). Западное искусство было легко доступно корейским художникам через финансируемые подписки на газеты, журналы и художественные издания, которые знакомили с современными тенденциями абстракции. Истинной целью этой программы была антикоммунистическая кампания под руководством США, направленная против социалистического реализма Северной Кореи, и USIS платило южнокорейским художникам, включая Ким Хванги, чьи работы представляли собой противовес северокорейским культурным практикам. Это противопоставлялось искусству с сюжетами о Сталине и Ким Ир Сене, создававшемуся в период контроля Северной Кореи над Южной.

Когда Ким Хванги вернулся в Сеул в 1953 году, его увлечение кувшинами возросло. Он неоднократно изображал их в своих работах, включая «Кувшин и поэзия», «Белый кувшин и женщина», «Кувшин» и «Кувшин и цветы сливы». Возвращение в Сеул также позволило ему преподавать в Колледже изящных искусств Университета Хонгик, провести персональную выставку в галерее USIS и быть избранным членом Корейской академии^[9].

Дневники Кима показывают, что он давно планировал отъезд в Париж. Начиная с 1954 года, многие корейские художники совершили эту поездку, включая Нам Квана, Ким Хын Су и Ким Чон Ха. Париж, столица современного искусства, был местом, которое должно было излечить их от чувства неполноценности, возникшего из-за негативного опыта знакомства с западным искусством в Японии^[9]. Хотя многие художники и их работы значительно изменились во время поездок за границу, Ким намеренно сохранил свой художественный стиль и продолжал изображать мотивы кувшинов, птиц, гор, оленей и цветов сливы^[9]. Находясь во Франции, Ким стал лучше понимать и ценить уникальные качества Кореи и корейского искусства.

Ким Хванги часто путешествовал, чтобы осваивать новые художественные техники и внедрять их в свои работы. Его целью было достижение универсальности — «интеграции восточной и западной эстетики без границ». Он устал от того, что его работы воспринимались либо как отказ от корейских ценностей, либо как слабая имитация западного искусства. Символом борьбы Ким Хванги за плавную интеграцию традиционного и современного, восточного и западного стилей стал кувшин пунчхон эпохи Чосон. Керамика династии Чосон характеризуется крупными, белыми, толстыми и бесформенными изделиями, имеющими утилитарную функцию. Известным примером является «Лунный кувшин» — белый фарфоровый сосуд круглой формы. Во время поездки в Париж его картины претерпели изменения: цветовая палитра стала преимущественно синей, и они начали имитировать пятнистые керамические поверхности. В 1950-х годах Ким Хванги начал включать традиционные мотивы корейского пейзажа, такие как синяя луна, горы и цветы сливы. Картина «Кувшин» (1958) отражает переход от плоских мазков к наслоению. Текстура этого произведения густая и пятнистая, похожая на традиционную корейскую керамику. Кувшин как объект не имеет ощущения пространства, так как вокруг него нет ориентиров. Масштаб луны сопоставим с кувшином, что создаёт эффект приближения и усиливает абстрактность. Добавление корейских мотивов сделало Кима более осознанным в отношении своей корейской идентичности в период постоянных путешествий. Посещение Парижа стало для него преобразующим опытом: он экспериментировал с эффектом витража картин Руо, чтобы воспроизвести трёхмерную природу и текстуру кувшина пунчхон на двумерном холсте. Он смог объединить «корейскость» кувшина династии Чосон с элементами абстрактного экспрессионизма.

По возвращении в Сеул в 1959 году ему почти сразу предложили должность декана факультета в Колледже изящных искусств Университета Хонгик. В 1960 году он стал президентом Художественного колледжа Хонгик. Он обнаружил, что чаще занимается преподаванием и административными обязанностями, чем искусством. В это время он часто испытывал разочарование из-за конфликтов с другими членами правления и разрыва между реальностью и его мечтами о художественных институтах^[9].

В 1963 году Корея впервые приняла участие в Биеннале в Сан-Паулу, где Ким выступал в качестве комиссара страны и одного из семи представленных художников: Ким Ён Джу, Ю Ён Гук, Ким Ги Чхан, Со Се Ок, Хан Ён Джин и Ю Ган Ёль^[12]. Представив три работы — «Лунный свет летней ночью» (1961), «Лунная ночь острова» (1959) и «Облако и луна» (1963) — Ким был удостоен почётного упоминания за живопись^[4]. Увидев на биеннале работы американского художника Адольфа Готлиба, получившего Гран-при, Ким заявил о своём желании «интернационализации» корейского искусства^[11].

В 1963 году Ким переехал в Нью-Йорк, город, который становился новым центром современного искусства^[13]. Ким Хян Ан присоединилась к нему в следующем году. Получив грант от Азиатского общества, финансируемого фондом Джона Д. Рокфеллера III, они поселились в студии в Верхнем Вест-Сайде Манхэттена^[13]. Там он нашёл поддержку у корейских атташе по культуре, американских художников корейского происхождения По Кима, Джона Пая и Нам Джун Пайка, а также американских художников Адольфа Готлиба и Марка Ротко^[12].

По прибытии в Нью-Йорк Ким начал экспериментировать с новыми материалами, такими как газетные страницы и масляные краски. Он изучал взаимодействие масляных красок с маслом на газете, что создавало эффект «смещающейся, движущейся краски на поверхности» по сравнению с впитыванием акварели, что привело к его интересу к папье-маше. Бумажная скульптура «Тэджоб» (1968) отражает трансформацию искусства Кима, объединившую масляную живопись на газетах с трёхмерными скульптурами. Ким гордился тем, что сохранил «корейскость» в своём искусстве, так как масляная краска на бумаге имитировала пятнистую поверхность керамики эпохи Чосон. «Тэджоб» — это широкий чёрный кувшин, расширяющийся кверху, с симметричными точками по краю. Точки намеренно расположены беспорядочно, чтобы придать работе органичность, подобно кувшинам того периода. Переехав в Нью-Йорк и освоив новые техники, Ким сохранил элементы своей родины. Нью-Йорк позволил ему освободиться от социальных обязательств и сосредоточиться на творчестве.

Наиболее известным периодом творчества художника в Нью-Йорке стало появление серии «точечных картин на всём холсте» (кор. 점면전화), известных просто как «точечные картины». К 1970 году Ким начал создавать картины, заполнявшие всю поверхность негрунтованных холстов маленькими неровными точками, используя масляную краску, смешанную со скипидаром^[12]. Значимым ранним примером является картина «Где, в каком виде мы встретимся снова?» (1970), названная в честь стихотворения его друга, корейского поэта Ким Гван Сопа. Хотя работа стала результатом многолетних экспериментов с абстракцией и геометрическими элементами живописи — точкой, линией и плоскостью, — приглушённая палитра и разбавленная краска создавали эффект размытых чернил, напоминающий восточноазиатскую живопись тушью^[5]:{{{1}}}. За эту картину Ким получил Гран-при на первой Выставке корейского искусства^[14]. Его чисто абстрактный стиль, разительно отличавшийся от работ корейского периода с традиционными мотивами, произвёл большое впечатление на корейскую художественную сцену^[12].

Ким продолжал создавать «точечные картины» на холстах большего размера и экспериментировал с различными цветами, особенно с оттенками синего^[5]. К 1971 году он изменил композицию, располагая точки по кругу или кривой, как в работе «Вселенная 05-IV-71 #200» (1971). «Вселенная», считающаяся одной из важнейших работ художника, была хорошо принята в Нью-Йорке^[15][16]. Работа была включена в персональную выставку Кима в нью-йоркской галерее Poindexter, где он выставлялся ежегодно до своей смерти в 1974 году^[17].

Движение тансэкхва, также известное как монохромная живопись, включало картины в серых, коричневых, бежевых и белых тонах, созданные в конце 1960-х годов. Оно отражало слияние тела и разума художника через исследование физических свойств материалов. Это движение возникло из желания вернуть национальную гордость после войны и потребности в политическом и социальном контроле. Оно также стало отходом от японского стиля нихонга колониального периода и принятием абстрактной живописи в эпоху модернизации. В картине «Вселенная» (1971) Ким написал повторяющиеся ряды кругов из точек, передающих суть волн, пульсирующих на берегу. Точки «кажутся размножающимися, как живые клетки» и «представляют поток мощной солнечной энергии», что позволяет зрителям испытать синестезию. Поскольку нет двух одинаковых точек, движение каждого элемента неравномерно, заставляя взгляд терять фокус. Ким Хванги отличался от других художников темпоральностью своих работ. Американские картины часто имеют аспект «всё сразу», тогда как работы Кима динамичны, с неявным ощущением постоянного движения. Нью-Йорк стал важным переходным периодом: привычные мотивы, такие как птица и луна, постепенно сменились точками и линиями. Его произведения стали менее фигуративными и более абстрактными, с линейными горизонталями, вертикалями и диагоналями. В отличие от ранних работ с яркими оттенками, «Вселенная» и поздние картины были серо-голубыми или чёрными, воплощая палитру «синего Хванги». Ким создал эту работу так, чтобы зрители могли представить движение мерцающих небесных тел, имитируемое динамичными точками. Этот переход и исчезновение корейских мотивов также могут свидетельствовать об отдалении Ким Хванги от своей корейской идентичности по мере того, как он обосновывался в Нью-Йорке и увлекался зарубежным искусством.

Во время его карьеры в Нью-Йорке появились работы, изображающие космические, планетарные сюжеты, звук, эхо и музыку^[9]. Во второй половине своего пребывания в Нью-Йорке Ким уделял много времени коллажам, работам из папье-маше и живописи маслом на газетах. В это время он начал использовать точки, иногда покрывая ими целые холсты, как в картинах «Где и в каком виде мы встретимся снова?» (1970) и «05-IV-71 #200 (Вселенная)» (1971). Последняя была продана за 102 млн гонконгских долларов (13,03 млн долларов США), превысив эстимейт в 48—62 млн, и стала самым дорогим корейским произведением искусства^[18].

Ким перенёс операцию на шейном отделе позвоночника, чтобы исправить боли в шее, возникшие из-за того, что он всю жизнь сутулился над детальной работой до 10 часов в день^[19]. Операция прошла успешно, но в больнице Ким упал и получил внутримозговое кровоизлияние, что стало причиной его смерти в возрасте 61 года.

Его внучатый племянник — Чхве Сын Хён (род. 1987), художник, актёр и рэпер, выступающий под псевдонимом T.O.P, бывший участник группы Big Bang^[20].

• Whanki, paintings 1960-1974, галерея Poindexter, Нью-Йорк, США; 18 февраля — 8 марта 1975
• 13-я Биеннале в Сан-Паулу, специальная выставка Whanki; 17 октября — 15 декабря 1975
• Ретроспектива Ким Хванги, Национальный музей современного искусства, Корея; 3—17 декабря 1975
• Памятная выставка к 10-летию со дня смерти Ким Хванги, Национальный музей современного искусства, Корея; 1—25 марта 1984
• Whanki: Retrospective 1963-1974, Национальный центр пластических искусств, Париж, Франция; 12 мая — 14 июня 1987
• Whanki Kim, New York 1963–1974, Музей Хванги, Сеул, Корея; 1992
• Asian Traditions/Modern Expressions: Asian American Artists and Abstraction, 1945–1970, Художественный музей Джейн Вурхис Зиммерли, Ратгерский университет, Нью-Брансуик, Нью-Джерси; 1997